miércoles, 24 de diciembre de 2008

Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band-The Beatles


Bueno, a petición de los lectores, publico esta entrada, dedicada al álbum que dió un giro en la historia del rock, el Sgt. Peppers. Todo comenzó en 1967, cuándo los Beatles en pleno verano del amor, decidieron visitar la cumbre de la contracultura americana, Haight-Ashbury, la pequeña esquina psicodélica de San Francisco, dónde vivían los más hippies, que esparcieron su famoso flowerpower por todo el mundo. Al llegar allí consumieron la droga estrella, LSD, y su visión cambió por completo. De ahí nació este psicodélico álbum. El álbum lo componen 13 canciones sin ninguna pausa. El disco comienza con ruido proveniente de un público expectante que explota con los primeros riffs de guitarra eléctrica de la canción que da título al disco: «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band». El resto de la canción es una mezcla de guitarras, coros y voces de los cuatro Beatles. Después de ese tema, sin pausa ni silencio intermedio, empieza «With a Little Help from My Friends», cantada por el baterista Ringo Starr — una oda a la amistad con una contagiosa sensación de esperanza y un respiro entre las estridentes guitarras de la primera canción y la psicodelia de la tercera: «Lucy in the Sky with Diamonds» de Lennon, con una letra que nos traslada a un mundo donde todo puede suceder. La psicodélica melodía fue alterada al extremo que se piensa que cada nota está con una velocidad superior o inferior a la anterior. Se ha especulado que sus iniciales - LSD - coinciden con la droga que los Beatles consumían, aunque John ha afirmado tantas veces que el título era el de un dibujo de su hijo, que probablemente fuera una casualidad. Según John Lennon la idea de este mítico tema surgió de un dibujo que realizó su primer hijo Julian. El niño le enseñó a su padre un dibujo en el que una niña sonreía y sus ojos parecían piedras preciosas, Julian le dijo a su padre «Look dad, is Lucy, in the sky with diamonds» («Mira papá, es Lucy, en el cielo con diamantes»). Si buscaís en el archivo del blog hay una entrada dedicada exclusivamente a esta obre maestra. «Getting Better» es otro de las canciones que cambian las estructuras básicas del rock para transformarlas en algo totalmente nuevo. Con sus arreglos de sonido y su particular y constante guitarra, este tema es un canto a la felicidad y esperanza de cambio. En este título se aprecia, en la letra, el contraste de las actitudes de Lennon y McCartney. Se dice, según los mismos Beatles, que «Getting Better» era una frase muy repetida por Jimmy Nicol, el baterista que suplió a Ringo Starr en la gira del verano de 1964. «Fixing a Hole», parece haber sido influido por la década de los 20 o de los 30, aunque posee también algo nuevo e innovador, como la combinación de guitarras y teclado y la capacidad de McCartney de alternar entre armonías, al igual que en el siguiente tema. «She's Leaving Home», una bella pieza musical en la que nos vemos envueltos, de la mano de cuerdas clásicas y arpas, en el dolor de una joven que abandona su hogar. Los Beatles se colocan en el lugar de la chica, no sólo de los padres. Es comparada por algunos críticos con grandes obras de la música clásica. Se dice que la idea de componerla surgió de una noticia que contaba la historia de una chica que se fugó de su hogar para poder vivir con su novio, pero la verdadera historia no duró mucho tiempo ya que la joven volvió a su hogar a la semana siguiente. El sonido de la siguiente canción, «Being for the Benefit of Mr. Kite!», nos traslada a un gran circo, con enanos, acróbatas y hasta un caballo que baila el vals; con clavicordios, órganos, una batería hipnótica, sonidos de feria y la voz nasal y fría de Lennon, tiene posiblemente una de las mejores atmósferas jamás creadas por un productor. Cuando Lennon explicó a George Martin el ambiente que quería crear para esta canción le dijo: «Quiero oler el serrín». «Within You Without You» es al estilo hindú de la mano de George Harrison, con su sitar y acompañamiento de violines recorriendo escalas orientales mientras con su voz ensoñada nos habla de Dios, de las personas y del amor. «When I'm Sixty Four», una obra típica de McCartney, muestra una historia sobre el amor eterno, aunque con un aire de cabaret, dado por las flautas, que la hace única e inconfundible, sin dejar de ser puramente naif. Esta canción fue escrita por McCartney en su adolescencia, interpretada con frecuencia en el Cavern Club y grabada en este álbum. «Lovely Rita» es un pop renovado en contraste con la canción anterior, con excelentes arreglos pianísticos y hermosas voces de McCartney y Lennon. Este tema contiene un misterioso mensaje aludiendo a la supuesta muerte de Paul McCartney. El mito de la muerte del músico decía que éste murió en un accidente de automóvil un miércoles a las 5 (por eso muchas de sus canciones hacen alusión a este día y esta fecha), no notó que el semáforo había cambiado por estar mirando a una inspectora de parquímetros (a las que normalmente se las llamaba Meter maids). Este mensaje se encuentra en la última canción del álbum, y relacionado con la portada de "Abbey Road" dio lugar a la leyenda de la muerte de McCartney y su reemplazo por William Campbell (de nombre artístico Billy Shears). «Good Morning Good Morning» que comienza con un gallo anunciando el amanecer, para dar lugar a una canción un tanto rara, como demasiado acelerada. Fue ideada por Lennon a partir de un aviso de cereales de maíz Kellogs, una conocida marca identificada por un gallo. En el final se incorporaron una serie de ruidos de animales que aparentemente se comen unos a otros. Escuchamos caballos, hasta incluso una turba persiguiendo a una zorra. Con el ruido del un diapasón pasamos a la próxima canción. Casi llegando al final, el Reprise de la primera canción tiene básicamente su mismo ritmo, aunque sin los arreglos de viento y un tanto más rápida, sumando además una guitarra que la hace inconfundible y mantiene un ritmo rockero. Para terminar: «A Day in the Life», una obra de arte creada tanto por Lennon como por McCartney, un bis basado en un collage, noticias tomadas en un periódico y sus respectivas reflexiones en la voz nasal y soñadora de John, permitiéndole hacer una visión critica muy especial de lo que se describe en la canción. Todo en un medio difuso y borroso, aunque bello y casi acústico, que se va sumergiendo poco a poco en un ascendente ruido sinfónico que se eleva y se eleva desde el acorde de Sol mayor (en el que está la melodía de Lennon) hasta llegar con las notas más agudas posibles al acorde de Mi mayor para abrir el tema compuesto por McCartney. Ninguno de los músicos encargados en lograr este efecto debía prestar atención a lo que hacían los demás, sólo debía elevar la tonada lo más que pudiese en 26 compases. El despertador que se oye al finalizar este divisorio no es accidental. Su función era avisar a Paul McCartney cuándo debía comenzar a cantar. La cantidad de instrumentos no era suficiente para lograr el efecto deseado. Por eso la grabación fue superpuesta cuatro veces con leves diferencias de tiempo. De esta forma parecía una orquesta de 160 instrumentos siendo de sólo 40. El resultado final suena como el despegue o aterrizaje de un reactor, pared de ruido que súbitamente se corta por un reloj despertador. Los sentidos se aclaran en la voz límpida y clara de McCartney hasta que de repente nos sumergimos en un sueño más profundo aún que el anterior; la voz de Lennon se debate flotante entre la marea de una orquesta wagneriana, grandiosa, gigantesca. Otra vez estamos en medio de un sueño y otra vez el ruido del despegue o aterrizaje, una explosión y el abismo, con una nota de piano que parece interminable, con la que concluye la canción.
Al final del disco un ruido de baja frecuencia y luego unos ruidos de voces extrañas que se desvanecen en el silencio, segundos de galimatías aparentemente invertidos, nos hacen intuir un mensaje oculto. En realidad éstas fueron grabadas para ocupar el último surco del disco, siempre vacío y así evitar que la gente que no tenía tocadiscos automático escuchara sin cesar el horrendo ruido de freidora que provocaba el ultimo surco vacío. Incluso se escucha una hoja que se cambia de página y una voz diciendo: «Shhh!». También se ha especulado con que el trozo exento de música contiene sonidos que sólo pueden oír los perros. Sgt. Pepper no destacó sólo por su música, sino por el concepto y la portada diseñada por el artista pop Peter Blake: una fotografía de los cuatro Beatles vestidos como sargentos delante de un collage de rostros célebres, entre los que se cuentan Marilyn Monroe, Marlon Brando, Aleister Crowley, Bob Dylan, D.H. Lawrence y hasta Shirley Temple. El rostro del actor mexicano Germán Valdés «Tin Tan» aparecería en la portada, pero se negó a última hora, enviando en su lugar un árbol de la vida de Metepec (planta tradicional mexicana) que aparece en un extremo de la fotografía. También aparecerían Gandhi, Hitler y Jesucristo, pero se cambió ya que poco antes Lennon dijo la frase de «más populares que Cristo» y era mejor no ofender a hindúes, judíos y cristianos. Además, fue el primer disco que se vendió con las letras de las canciones impresas. Aunque se quiso evitar esto, poco se pudo hacer, ya que las letras eran propiedad intelectual de los Fab four. Esto fue debido a la reunión que mantuvo John Lennon en Almería, durante el rodaje de Cómo gané la guerra, con Juan Carrión, profesor de inglés en una academia de Cartagena, quien le pidió que le facilitara letras de canciones de los Beatles, ya que era y sigue siendo uno de sus medios de enseñar la lengua inglesa. El álbum causó sensación en su época y sigue causándola, manteniendo la emoción y frescura. Es un disco difícil de superar y que ha influido en generaciones de músicos con diferentes propuestas y estilos. En septiembre de 2003, este disco fue elegido por la revista Rolling Stone como el mejor álbum de todos los tiempos.
COMENTAD Y FELIZ AÑO NUEVO :)

martes, 9 de diciembre de 2008

The Concert For Bangladesh-George Harrison And Friends


En el 1971, se celebró el primer concierto solidario de la historia. Todo empezó cuándo George Harrison, se empezó a interesar por la música y la cultura de la India, y conoció a Ravi Shankar, quién le enseñó a tocar el sitar. George Harrison y Ravi Shankar hicieron migas. Por otra parte, a lo largo de la Guerra de Liberación por Bangladesh, mientras Pakistán del Este pugnaba por su independencia, el desorden político y militar obligó a la ciudadanía a refugiarse en India, lo que supuso un problema para las autoridades del país. A este habría de sumarse posteriormente la llegada de un ciclón que trajo lluvias torrenciales, causando un desastre humanitario sin precedentes. El músico bengalí Ravi Shankar consultó a su amigo George Harrison para idear una solución al problema. Poco tiempo después, Harrison grabó el single "Bangla Desh" para recaudar dinero y presionó a Apple Records para que editara el single de Ravi Shankar "Join Bangla". Al tiempo, Shankar y Harrison planearon llevar a cabo un concierto en los Estados Unidos. Harrison tomó el testigo, desarrolló el esquema a seguir y llamó a unos cuantos amigos, persuadiéndolos para que se unieran a él en el Madison Square Garden. Hasta la fecha del concierto, tendría menos de cinco semanas para los preparativos. Entre los amigos que Harrison había planeado que acudieran se encontraban John Lennon y Paul McCartney. Lennon se mostró de acuerdo en acudir a la cita sólo en el caso de que él invitara formalmente al concierto a su esposa, Yoko Ono. Al no haber planeado su participación y tampoco querer que participara, Lennon declinó su asistencia. Asimismo, Paul McCartney aludió como excusa que era muy pronto para una reunión de The Beatles teniendo en cuenta los problemas legales del momento. Del grupo, el único que aceptó la invitación fue Ringo Starr. Ravi Shankar y Ali Akbar Khan fueron los encargados de abrir el concierto con un recital de música india y con la composición "Bangla Dhun". A excepción de algunas colaboraciones con otros artistas como Delaney & Bonnie Blues Band o con The Plastic Ono Band de John Lennon, el Concierto de Bangladesh supuso la primera aparición pública de George Harrison tras la separación de The Beatles. Asimismo, el concierto supone un hito al juntar en un escenario a dos artistas retirados temporalmente del mundo musical: por una parte, Eric Clapton regresaba después de su adición a la heroína y su retirada momentánea tras la gira de Derek and the Dominos; por otra parte, Bob Dylan hacía su primera aparición pública tras el Festival de la Isla de Wight en agosto de 1969. Posteriormente, no volvería a tocar en directo hasta enero de 1974.
Entre los músicos encargados de configurar el espectáculo se encontraban Billy Preston, Leon Russell, Klaus Voormann, Jim Keltner, Badfinger, una larga sección de instrumentos de vientos conducida por Jim Horn, Carl Radle, Jesse Ed Davis, Don Preston y un coro dirigido por Don Nix.
Disco 1
1. Introduction
2. Bangla Dhun - Ravi Shankar
3. Wah-Wah
4. My Sweet Lord
5. Awaiting On You All
6. That's The Way God Planned It - Billy Preston
7. It Don't Come Easy - Ringo Starr
8. Beware Of Darkness
9. Band Introduction
10. While My Guitar Gently Weeps
Disco 2
1. Medley: Jumpin' Jack Flash/Young Blood - Leon Russell
2. Here Comes The Sun
3. A Hard Rain's A-Gonna Fall - Bob Dylan
4. It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry - Bob Dylan
5. Blowin' In The Wind - Bob Dylan
6. Mr. Tambourine Man - Bob Dylan
7. Just Like A Woman - Bob Dylan
8. Something
9. Bangla Desh
10. Love Minus Zero/No Limit - Bob Dylan
Espero que disfrutéis de esta joya, y ¡comentad!

martes, 25 de noviembre de 2008

This Is Janis Joplin


En 1965, Janis Joplin entró en Big Brother And The Holding Company como vocalista principal, pero antes de eso tuvo que demostrarle a la banda que era lo que buscaban y realizó una audición que fue grabada, sólo con su voz y su guitarra clásica. Después de oir la audición, repertorio de la cual eran todo blueses y algunas canciones clásicas, la banda quedó impresionada, se dieron cuenta de que tenía buenas influencias y la cogieron sin dudarlo. Hace unos años, en 1996, el guitarrista solista de Big Brother, James Gurley, decidió publicar un CD exclusivo con todas estas canciones, a las que les añadió el resto de instrumentos. En estas canciones se puede observar que la voz de la polémicacantante suena mucho más limpia que cuando alcanzó la fama, aunque siempre había sido aficionada al alcohol, concretamente al Southern Comfort. La primera canción, Apple Of My Eye es una canción popular anónima. 219 Train es una cancion de Mamie Desdume's, pero que fue grabada por primera voz por el padre del jazz, Jelly Roll Morton, y más tarde fue interpretada por otros muchos artistas. Codine, es un clásico de Buffie Saint Marie que le venía cómo anillo al dedo a la Dama Blanca del Blues. Down And Out, compuesta por Jimmy Cox, fue interpretada por la emperatriz del blues, Bessie Smith, a la que Janis veneraba, cuando encontraron sus restos, ella y Juanita Green se encargaron de pagar la tumba y una inscripción con fotos, en la que ponía: la mejor cantante de blues del mundo, que jamás dejará de cantar. Turtle Blues es una canción semi-autobiográfica(palabras textuales de la cantante) que compuso Janis durante sus día en la universidad de Texas, en Austin. I Ain't Got A Worry, también titulada Goin' Down To Frisco, compuesta y grabada por Hoyt Axton, quién la interpreto también en el 1965, en el show de televisión Bonanza, también fue interpretada por Janis. Y por último Goin' Down To Brownsville es un clásico de Sleepy John Estes. Espero que disfrutéis con esta maravillosa audición y con el blues de la más grande vocalista blanca de todos los tiempos, y recordad, que vuestros comentarios son siempre agradecidos. Gracias.
P.D.: Gracias Napo, xD.

martes, 4 de noviembre de 2008

The Great Society


The Great Society fue de las primeras bandas en poner de moda el sonido de San Francisco en 1965, utilizando un estilo de folk-psicodélico hasta el fin de su existencia en 1966. La banda también era conocida cómo The Great! Society. Es recordado cómo el primer grupo en el que cantó Grace Slick, que también tocaba la flauta junto con su marido por aquel entonces, Jerry Slick en la batería, su hermano Darby Slick en la guitarra solista, David Miner en la guitarra rítmica y en ocasiones también cómo vocalista, Bard DuPont en el bajo y Peter Vandergelder en el saxofón. A finales del verano del 1965, Grace, Darby y Jerry fueron inspirados por los Beatles para formar el grupo. Debutaron el 15 de Octubre de 1965 en el famoso Coffee Gallery de la zona de la playa norte, en San Francisco y continuaron hasta 1966. Sólo lanzaron un single en 1966, Somebody To Love(originalmente titulado Someone To Love), escrito por Darby, y con la canción Free Advice en la cara B. Fue grabado en la subsidiaria de Autumn Records en la playa norte, causando un pequeño impacto por toda la zona de la bahía. La banda trabajó con el productos Sylverter Stewart, cuando estaba formando aún su banda propia, Sly And The Family Stone. Stewart hizo grabar el single más de 50 veces a la banda hasta que salió perfecto. La banda empezaba a inspirar a otras nuevas bandas locales, cómo Jefferson Airplane, y fue entonces cuando Columbia le ofreció a la banda un contrato, pero Grace Slick se marchó de la banda para pasarse a la recién surgida Jefferson Aiplane, sustituyendo a Signe Toly Anderson cómo vocalista, llevandose Somebody To Love y White Rabbit(compuesta por ella misma) con ella. Desde el punto de vista musical, la banda no podría sobrevivir sin la vocalista principal y la banda se dividió por completo en 1966, al mismo tiempo que Grace y Jerry se divorciaron. Columbia lanzó algunas canciones en directo en dos álbumes separados, en 1968, después de que Grace encontrara la fama, uniéndolas todas en un doble LP en 1971. En 1995, Sundazed lanzó un CD con canciones de estudio.









Aquí os dejo un link con 17 canciones entre ellas las legendarias White Rabbit y Somebody To Love, las versiones originales. Disfrutad.

sábado, 25 de octubre de 2008

Acid Jams


Cómo ya he mencionado en incontables ocasiones, el paraíso hippie por excelencia se encontraba en San Francisco, concretamente en Haight Ashbury. Allí, numerosas bandas hippies, daban largos conciertos en el Golden Gate Park o en los famosos ballrooms cómo el Fillmore East y West de Bill Graham y el Avalon Ballroom de Chet Helms. Estos conciertos podían prolongarse durante horas e incluso días, gracias a los llamados "packs de artistas", que consistía en la participación de diferentes grupos de toda la bahía, sin pausa, unos detrás de otros. Además el concepto de concierto cambió en San Francisco, cuándo los grupos de rock ácido, al tocar sus canciones las alargaban incluso hasta diez minutos, debido al efecto que el LSD ejercía sobre ellos, por lo tanto, los conciertos de cada artista solían durar de una hora y media a dos, cuando anteriormente duraban tan sólo de treinta a cuarenta y cinco minutos. También había grupos que hacían largos jams de aproximadamente cuarenta minutos, improvisaban con todos los instrumentos teniendo cómo base el ritmo de una canción, y luego tocaban menos canciones o las acortaban, pero si les quedaba tiempo las tocaban todas y con el máximo de tiempo. Aquellos músicos disfrutaban tocando, además solían estar en pleno subidón de ácido en el momento preciso, por lo tanto conseguía crear el ambiente perfecto para todo aquel público que llevaba el subidón encima cómo ellos. Luego, cuando bajaban del escenario, los músicos se confundían con las demás personas, entre la multitud, para seguir disfrutando del concierto y de las actuaciones de sus compañeros. En ocasiones ocurría algo mágico, componentes de diferentes grupos e incluso grupos completos se unían con otros para tocar juntos largos jams ácidos. Aquí voy a colgar dos jams de rock ácido. En el primero, titulado Donovan's Reef Jam, actuaron Country Joe And The Fish con todos sus componentes más Jerry García y Mickey Hart de Grateful Dead, Jorma Kaukonen y Jack Casady de Jefferson Airplane y el músico Steve Miller, líder de la Steve Miller Band. Dura 38 minutos. En el segundo, de nombre Lovelight, actuaron The Grateful Dead con Janis Joplin, quién apareció en medio de la actuación, causando euforia por parte del público. Dura 20 minutos. Los dos fueron grabados en el Avalon Ballroom. Es interesante saber que en el Avalon Ballroom, los apuntadores realizaban excelentes trabajos, formando efectos psicodélicos con las luces de colores.

Donovan's Reef Jam:

Fotografías: Bill Graham en la primera y Chet Helms en la segunda, los principales fundadores de la Family Dog, sin ellos no hubiera sido posible la grabación de estas increíbles jams ácidas.

jueves, 23 de octubre de 2008

The 13th Floor Elevators


The 13th Floor Elevators fue un grupo de rock psicodélico fundado en Austin, Texas, a finales del 1965. Sólo encontraron un suceso comercial después de resolver sus problemas con la ley y dejar de usar las drogas. Como siempre, The 13th Floor Elevators, fue una de las primeras bandas psicodélicas. Fueron citados cómo un influyente grupo protopunk. Su clásico "You're Gonna Miss Me", que llegó a las listas Billboard en el puesto #55 en 1966, fue versionado en el primer álbum de los Nuggets en 1972, dejando hueya como un tema de rock de garage que fue un himno para los primeros punk rockers. Roky Erickson era el cantante/guitarrista, Tommy Hall era quién tocaba el jug(jarra) eléctrico, Stacy Sutherland guitarrista también, John Ike Walton el batería y Ronnie Leatherman el bajista. Erickson y Hall eran los compositores principales de la banda pero también los otros miembros de la banda también componían canciones ocasionalmente. El sonido del jug eléctrico de Tommy(el cual sonaba muy distinto al sonido de los jugs tradicionales) fue la firma de la banda, lo que los distinguió del resto. El primer single del grupo "You're Gonna Miss Me" (la segunda versión, ya que la primera fue grabada con el bajista Ernie Culley, cuando la banda se daba a conocer como The Spades), se posicionó en el puesto #2 de las listas locales y a principios del 1966 en el pues #65 en las nacionales. Durante la primavera del 1966 el grupo pasó por numerosos locales de Texas, tocando en Austin, Dallas y Houston. A final del verano de ese mismo año, los Elevators estuvieron por la costa oeste, apareciendo dos veces en la televisión nacional y tocando en los famosos ballrooms de San Francisco, tantas veces aquí mencionados, el Fillmore y el Avalon. La compañía discográfica The International Artists en Houston firmó con los Elevators un contrato de grabación para lanzar el álbum The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators, que llegó a ser un clásico underground que combinó perfectamente con la ardiente contracultura de la época. El álbum evocaba la experiencia con el LSD, como si fuera una puerta de escape a un nivel de más alto del control de tus emociones, una filosofía que los miembros de la banda adoptador con venerancia. Janis Joplin era una persona muy cercana a la banda en sus comienzos, ya que fue cuando ella estudiaba Bellas Artes en Austin. Cantó con ellos en varias ocasiones y casi entra en el grupo, pero en el último momento decidió no hacerlo porque según las palabras de Roky Erickson, no le gustaban las dorgas psicodélicas, así que se marchó a San Francisco y formó parte de Big Brother And The Holding Company, quiénes usaban más el alcohol cómo droga. Muchos otros posters de la época muestran también la misma expresión sobre el LSD, como los de Quicksilver Messenger Service, The Great Society y The Byrds. Durante su estancia en San Francisco, dónde siguieron experimentando y conociendo a numerosas bandas, grabaron su segundo LP, Easter Everywhere, que fue lanzado cómo si fueran ya artistas internacionales, en 1967. La ruptura, en 1968 fue debida a que Roky fue condenado por posesión de drogas (marihuana) y para evadir una larga estancia en la cárcel se declaró mentalmente incapacitado y se le recluyó por tres años en el hospital psiquiátrico Rusk State Hospital. La banda siguió grabando Bull of the Woods sin su presencia. Su último disco fue lanzado en 1969, titulado Live que de hecho no está grabado en vivo, sino que consta de outakes de estudio tempranos.




Primer LP(estudio), Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators:
1.You're Gonna Miss Me
2.Roller Coaster
3.Splash 1 (Now I'm Home)
4.Reverberation (Doubt)
5.Don't Fall Down
6.Fire Engine
7.Thru the Rhythm
8.You Don't Know (How Young You Are)
9.Kingdom of Heaven
10.Monkey Island
11.Tried to Hide




Último LP(estudio), Bull Of The Woods:
1.Livin' On
2.Barnyard Blues
3.Til Then
4.Never Another
5.Rose and the Thorn
6.Down by the River
7.Scarlet and Gold
8.Street Song
9.Dear Dr. Doom
10.With You
11.May the Circle Remain Unbroken

miércoles, 22 de octubre de 2008

Country Joe And The Fish


Country Joe and the Fish fue una banda de rock/folk conocida por sus protestas musicales contra la guerra de Vietnam, desde 1965 hasta 1970. Al principio, los miembros de la banda, eran abiertos y fluidos, pero desde el 1967 el grupo estaba formado por: el batería "Chicken" Hirsh(quién fue sustituido por Greg "Duke" Dewey en algunas ocasiones, por ejemplo en Woodstock, dónde realizó una increíble actuación), David Cohen a los teclados y Bruce Barthol al bajo. El cantante principal era "Country" Joe McDonald y el guitarrista principal Barry "The Fish" Melton. Los co-fundadores McDonald y Melton, añadieron a los demás músicos cómo una necesidad fundamental para la vida de la banda. Esta banda es un ejemplo claro de las primeras metidas en la música psicodélica. El LP "Electric Music for the Mind and Body" fue muy influyene en la radio, en el 1967. Canciones psicodélicas de larga duración cómo "Section 43", "Bass Strings", "Not So Sweet Martha Lorraine", "Janis" (de y para Janis Joplin) y "Grace" (para Grace Slick) (todas grabadas en la Vanguard Records) eran las que componían el LP. Su primer álbum se situó en el puesto #39 el 23 de septiembre de 1967, el segundo ocupó el puesto #67 el 3 de febrero del 1968 y el tercero el puesto #23 el 31 de agosto del 1968. Country Joe And The Fish actuaban con mucha frecuencia en el Fillmore de Bill Graham y en el Avalon Ballroom de Chet Helms. Compartían escenario con grupos cómo Jefferson Airplane, Grateful Dead, Quicksilver Messenger Service, Led Zeppelin y Iron Butterfly. Tocaron en el Monterey Pop Festival en 1967 y en Woodstock del 1969. En 1971 la banda apareció en una película del oeste actuando bajo el nombre de The Crackers. La película, titulada Zachariah, fue escrita por el Firesign Theatre y fue denominada la primera película eléctrica del oeste. También actuaron en la película de George Lucas, More American Graffiti y en la película Gas-s-s-s de Roger Corman en el 1971.

Canciones de la descarga:
Section 43 (studio)*
Rock n' Soul Music/Love*
Thought Dream
The Masked Marauder*
Rock Coast Blues
Flying High
Doctor of Electricity
Death Sound Blues
Not so Sweet Martha Lorraine (Live at Monterey Pop 1967)*
Section 43 (Live at Monterey Pop 1967)*
Love Machine (Live at Woodstock 1969)*
Link:

Los tracks con el asterisco* son extras que psychedelicpaula añadió para ti, en directo, unos cuantos de Woodstock y de Monterey, disfrutadlos.