☮SIXTIES NOT DEAD☮

Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band-The Beatles

2008-12-24T09:05:00.001-08:00

Bueno, a petición de los lectores, publico esta entrada, dedicada al álbum que dió un giro en la historia del rock, el Sgt. Peppers. Todo comenzó en 1967, cuándo los Beatles en pleno verano del amor, decidieron visitar la cumbre de la contracultura americana, Haight-Ashbury, la pequeña esquina psicodélica de San Francisco, dónde vivían los más hippies, que esparcieron su famoso flowerpower por todo el mundo. Al llegar allí consumieron la droga estrella, LSD, y su visión cambió por completo. De ahí nació este psicodélico álbum. El álbum lo componen 13 canciones sin ninguna pausa. El disco comienza con ruido proveniente de un público expectante que explota con los primeros riffs de guitarra eléctrica de la canción que da título al disco: «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band». El resto de la canción es una mezcla de guitarras, coros y voces de los cuatro Beatles. Después de ese tema, sin pausa ni silencio intermedio, empieza «With a Little Help from My Friends», cantada por el baterista Ringo Starr — una oda a la amistad con una contagiosa sensación de esperanza y un respiro entre las estridentes guitarras de la primera canción y la psicodelia de la tercera: «Lucy in the Sky with Diamonds» de Lennon, con una letra que nos traslada a un mundo donde todo puede suceder. La psicodélica melodía fue alterada al extremo que se piensa que cada nota está con una velocidad superior o inferior a la anterior. Se ha especulado que sus iniciales - LSD - coinciden con la droga que los Beatles consumían, aunque John ha afirmado tantas veces que el título era el de un dibujo de su hijo, que probablemente fuera una casualidad. Según John Lennon la idea de este mítico tema surgió de un dibujo que realizó su primer hijo Julian. El niño le enseñó a su padre un dibujo en el que una niña sonreía y sus ojos parecían piedras preciosas, Julian le dijo a su padre «Look dad, is Lucy, in the sky with diamonds» («Mira papá, es Lucy, en el cielo con diamantes»). Si buscaís en el archivo del blog hay una entrada dedicada exclusivamente a esta obre maestra. «Getting Better» es otro de las canciones que cambian las estructuras básicas del rock para transformarlas en algo totalmente nuevo. Con sus arreglos de sonido y su particular y constante guitarra, este tema es un canto a la felicidad y esperanza de cambio. En este título se aprecia, en la letra, el contraste de las actitudes de Lennon y McCartney. Se dice, según los mismos Beatles, que «Getting Better» era una frase muy repetida por Jimmy Nicol, el baterista que suplió a Ringo Starr en la gira del verano de 1964. «Fixing a Hole», parece haber sido influido por la década de los 20 o de los 30, aunque posee también algo nuevo e innovador, como la combinación de guitarras y teclado y la capacidad de McCartney de alternar entre armonías, al igual que en el siguiente tema. «She's Leaving Home», una bella pieza musical en la que nos vemos envueltos, de la mano de cuerdas clásicas y arpas, en el dolor de una joven que abandona su hogar. Los Beatles se colocan en el lugar de la chica, no sólo de los padres. Es comparada por algunos críticos con grandes obras de la música clásica. Se dice que la idea de componerla surgió de una noticia que contaba la historia de una chica que se fugó de su hogar para poder vivir con su novio, pero la verdadera historia no duró mucho tiempo ya que la joven volvió a su hogar a la semana siguiente. El sonido de la siguiente canción, «Being for the Benefit of Mr. Kite!», nos traslada a un gran circo, con enanos, acróbatas y hasta un caballo que baila el vals; con clavicordios, órganos, una batería hipnótica, sonidos de feria y la voz nasal y fría de Lennon, tiene posiblemente una de las mejores atmósferas jamás creadas por un productor. Cuando Lennon explicó a George Martin el ambiente que quería crear para esta canción le dijo: «Quiero oler el serrín». «Within You Without You» es al estilo hindú de la mano de George Harrison, con su sitar y acompañamiento de violines recorriendo escalas orientales mientras con su voz ensoñada nos habla de Dios, de las personas y del amor. «When I'm Sixty Four», una obra típica de McCartney, muestra una historia sobre el amor eterno, aunque con un aire de cabaret, dado por las flautas, que la hace única e inconfundible, sin dejar de ser puramente naif. Esta canción fue escrita por McCartney en su adolescencia, interpretada con frecuencia en el Cavern Club y grabada en este álbum. «Lovely Rita» es un pop renovado en contraste con la canción anterior, con excelentes arreglos pianísticos y hermosas voces de McCartney y Lennon. Este tema contiene un misterioso mensaje aludiendo a la supuesta muerte de Paul McCartney. El mito de la muerte del músico decía que éste murió en un accidente de automóvil un miércoles a las 5 (por eso muchas de sus canciones hacen alusión a este día y esta fecha), no notó que el semáforo había cambiado por estar mirando a una inspectora de parquímetros (a las que normalmente se las llamaba Meter maids). Este mensaje se encuentra en la última canción del álbum, y relacionado con la portada de "Abbey Road" dio lugar a la leyenda de la muerte de McCartney y su reemplazo por William Campbell (de nombre artístico Billy Shears). «Good Morning Good Morning» que comienza con un gallo anunciando el amanecer, para dar lugar a una canción un tanto rara, como demasiado acelerada. Fue ideada por Lennon a partir de un aviso de cereales de maíz Kellogs, una conocida marca identificada por un gallo. En el final se incorporaron una serie de ruidos de animales que aparentemente se comen unos a otros. Escuchamos caballos, hasta incluso una turba persiguiendo a una zorra. Con el ruido del un diapasón pasamos a la próxima canción. Casi llegando al final, el Reprise de la primera canción tiene básicamente su mismo ritmo, aunque sin los arreglos de viento y un tanto más rápida, sumando además una guitarra que la hace inconfundible y mantiene un ritmo rockero. Para terminar: «A Day in the Life», una obra de arte creada tanto por Lennon como por McCartney, un bis basado en un collage, noticias tomadas en un periódico y sus respectivas reflexiones en la voz nasal y soñadora de John, permitiéndole hacer una visión critica muy especial de lo que se describe en la canción. Todo en un medio difuso y borroso, aunque bello y casi acústico, que se va sumergiendo poco a poco en un ascendente ruido sinfónico que se eleva y se eleva desde el acorde de Sol mayor (en el que está la melodía de Lennon) hasta llegar con las notas más agudas posibles al acorde de Mi mayor para abrir el tema compuesto por McCartney. Ninguno de los músicos encargados en lograr este efecto debía prestar atención a lo que hacían los demás, sólo debía elevar la tonada lo más que pudiese en 26 compases. El despertador que se oye al finalizar este divisorio no es accidental. Su función era avisar a Paul McCartney cuándo debía comenzar a cantar. La cantidad de instrumentos no era suficiente para lograr el efecto deseado. Por eso la grabación fue superpuesta cuatro veces con leves diferencias de tiempo. De esta forma parecía una orquesta de 160 instrumentos siendo de sólo 40. El resultado final suena como el despegue o aterrizaje de un reactor, pared de ruido que súbitamente se corta por un reloj despertador. Los sentidos se aclaran en la voz límpida y clara de McCartney hasta que de repente nos sumergimos en un sueño más profundo aún que el anterior; la voz de Lennon se debate flotante entre la marea de una orquesta wagneriana, grandiosa, gigantesca. Otra vez estamos en medio de un sueño y otra vez el ruido del despegue o aterrizaje, una explosión y el abismo, con una nota de piano que parece interminable, con la que concluye la canción.
Al final del disco un ruido de baja frecuencia y luego unos ruidos de voces extrañas que se desvanecen en el silencio, segundos de galimatías aparentemente invertidos, nos hacen intuir un mensaje oculto. En realidad éstas fueron grabadas para ocupar el último surco del disco, siempre vacío y así evitar que la gente que no tenía tocadiscos automático escuchara sin cesar el horrendo ruido de freidora que provocaba el ultimo surco vacío. Incluso se escucha una hoja que se cambia de página y una voz diciendo: «Shhh!». También se ha especulado con que el trozo exento de música contiene sonidos que sólo pueden oír los perros. Sgt. Pepper no destacó sólo por su música, sino por el concepto y la portada diseñada por el artista pop Peter Blake: una fotografía de los cuatro Beatles vestidos como sargentos delante de un collage de rostros célebres, entre los que se cuentan Marilyn Monroe, Marlon Brando, Aleister Crowley, Bob Dylan, D.H. Lawrence y hasta Shirley Temple. El rostro del actor mexicano Germán Valdés «Tin Tan» aparecería en la portada, pero se negó a última hora, enviando en su lugar un árbol de la vida de Metepec (planta tradicional mexicana) que aparece en un extremo de la fotografía. También aparecerían Gandhi, Hitler y Jesucristo, pero se cambió ya que poco antes Lennon dijo la frase de «más populares que Cristo» y era mejor no ofender a hindúes, judíos y cristianos. Además, fue el primer disco que se vendió con las letras de las canciones impresas. Aunque se quiso evitar esto, poco se pudo hacer, ya que las letras eran propiedad intelectual de los Fab four. Esto fue debido a la reunión que mantuvo John Lennon en Almería, durante el rodaje de Cómo gané la guerra, con Juan Carrión, profesor de inglés en una academia de Cartagena, quien le pidió que le facilitara letras de canciones de los Beatles, ya que era y sigue siendo uno de sus medios de enseñar la lengua inglesa. El álbum causó sensación en su época y sigue causándola, manteniendo la emoción y frescura. Es un disco difícil de superar y que ha influido en generaciones de músicos con diferentes propuestas y estilos. En septiembre de 2003, este disco fue elegido por la revista Rolling Stone como el mejor álbum de todos los tiempos.

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COMENTAD Y FELIZ AÑO NUEVO :)

The Concert For Bangladesh-George Harrison And Friends

2008-12-09T08:01:00.000-08:00

En el 1971, se celebró el primer concierto solidario de la historia. Todo empezó cuándo George Harrison, se empezó a interesar por la música y la cultura de la India, y conoció a Ravi Shankar, quién le enseñó a tocar el sitar. George Harrison y Ravi Shankar hicieron migas. Por otra parte, a lo largo de la Guerra de Liberación por Bangladesh, mientras Pakistán del Este pugnaba por su independencia, el desorden político y militar obligó a la ciudadanía a refugiarse en India, lo que supuso un problema para las autoridades del país. A este habría de sumarse posteriormente la llegada de un ciclón que trajo lluvias torrenciales, causando un desastre humanitario sin precedentes. El músico bengalí Ravi Shankar consultó a su amigo George Harrison para idear una solución al problema. Poco tiempo después, Harrison grabó el single "Bangla Desh" para recaudar dinero y presionó a Apple Records para que editara el single de Ravi Shankar "Join Bangla". Al tiempo, Shankar y Harrison planearon llevar a cabo un concierto en los Estados Unidos. Harrison tomó el testigo, desarrolló el esquema a seguir y llamó a unos cuantos amigos, persuadiéndolos para que se unieran a él en el Madison Square Garden. Hasta la fecha del concierto, tendría menos de cinco semanas para los preparativos. Entre los amigos que Harrison había planeado que acudieran se encontraban John Lennon y Paul McCartney. Lennon se mostró de acuerdo en acudir a la cita sólo en el caso de que él invitara formalmente al concierto a su esposa, Yoko Ono. Al no haber planeado su participación y tampoco querer que participara, Lennon declinó su asistencia. Asimismo, Paul McCartney aludió como excusa que era muy pronto para una reunión de The Beatles teniendo en cuenta los problemas legales del momento. Del grupo, el único que aceptó la invitación fue Ringo Starr. Ravi Shankar y Ali Akbar Khan fueron los encargados de abrir el concierto con un recital de música india y con la composición "Bangla Dhun". A excepción de algunas colaboraciones con otros artistas como Delaney & Bonnie Blues Band o con The Plastic Ono Band de John Lennon, el Concierto de Bangladesh supuso la primera aparición pública de George Harrison tras la separación de The Beatles. Asimismo, el concierto supone un hito al juntar en un escenario a dos artistas retirados temporalmente del mundo musical: por una parte, Eric Clapton regresaba después de su adición a la heroína y su retirada momentánea tras la gira de Derek and the Dominos; por otra parte, Bob Dylan hacía su primera aparición pública tras el Festival de la Isla de Wight en agosto de 1969. Posteriormente, no volvería a tocar en directo hasta enero de 1974.
Entre los músicos encargados de configurar el espectáculo se encontraban Billy Preston, Leon Russell, Klaus Voormann, Jim Keltner, Badfinger, una larga sección de instrumentos de vientos conducida por Jim Horn, Carl Radle, Jesse Ed Davis, Don Preston y un coro dirigido por Don Nix.

Disco 1

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1. Introduction

2. Bangla Dhun - Ravi Shankar

3. Wah-Wah

4. My Sweet Lord

5. Awaiting On You All

6. That's The Way God Planned It - Billy Preston

7. It Don't Come Easy - Ringo Starr

8. Beware Of Darkness

9. Band Introduction

10. While My Guitar Gently Weeps

Disco 2

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1. Medley: Jumpin' Jack Flash/Young Blood - Leon Russell

2. Here Comes The Sun

3. A Hard Rain's A-Gonna Fall - Bob Dylan

4. It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry - Bob Dylan

5. Blowin' In The Wind - Bob Dylan

6. Mr. Tambourine Man - Bob Dylan

7. Just Like A Woman - Bob Dylan

8. Something

9. Bangla Desh

10. Love Minus Zero/No Limit - Bob Dylan

Espero que disfrutéis de esta joya, y ¡comentad!

This Is Janis Joplin

2008-11-25T07:40:00.000-08:00

En 1965, Janis Joplin entró en Big Brother And The Holding Company como vocalista principal, pero antes de eso tuvo que demostrarle a la banda que era lo que buscaban y realizó una audición que fue grabada, sólo con su voz y su guitarra clásica. Después de oir la audición, repertorio de la cual eran todo blueses y algunas canciones clásicas, la banda quedó impresionada, se dieron cuenta de que tenía buenas influencias y la cogieron sin dudarlo. Hace unos años, en 1996, el guitarrista solista de Big Brother, James Gurley, decidió publicar un CD exclusivo con todas estas canciones, a las que les añadió el resto de instrumentos. En estas canciones se puede observar que la voz de la polémicacantante suena mucho más limpia que cuando alcanzó la fama, aunque siempre había sido aficionada al alcohol, concretamente al Southern Comfort. La primera canción, Apple Of My Eye es una canción popular anónima. 219 Train es una cancion de Mamie Desdume's, pero que fue grabada por primera voz por el padre del jazz, Jelly Roll Morton, y más tarde fue interpretada por otros muchos artistas. Codine, es un clásico de Buffie Saint Marie que le venía cómo anillo al dedo a la Dama Blanca del Blues. Down And Out, compuesta por Jimmy Cox, fue interpretada por la emperatriz del blues, Bessie Smith, a la que Janis veneraba, cuando encontraron sus restos, ella y Juanita Green se encargaron de pagar la tumba y una inscripción con fotos, en la que ponía: la mejor cantante de blues del mundo, que jamás dejará de cantar. Turtle Blues es una canción semi-autobiográfica(palabras textuales de la cantante) que compuso Janis durante sus día en la universidad de Texas, en Austin. I Ain't Got A Worry, también titulada Goin' Down To Frisco, compuesta y grabada por Hoyt Axton, quién la interpreto también en el 1965, en el show de televisión Bonanza, también fue interpretada por Janis. Y por último Goin' Down To Brownsville es un clásico de Sleepy John Estes. Espero que disfrutéis con esta maravillosa audición y con el blues de la más grande vocalista blanca de todos los tiempos, y recordad, que vuestros comentarios son siempre agradecidos. Gracias.

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P.D.: Gracias Napo, xD.

The Great Society

2008-11-04T05:36:00.000-08:00

The Great Society fue de las primeras bandas en poner de moda el sonido de San Francisco en 1965, utilizando un estilo de folk-psicodélico hasta el fin de su existencia en 1966. La banda también era conocida cómo The Great! Society. Es recordado cómo el primer grupo en el que cantó Grace Slick, que también tocaba la flauta junto con su marido por aquel entonces, Jerry Slick en la batería, su hermano Darby Slick en la guitarra solista, David Miner en la guitarra rítmica y en ocasiones también cómo vocalista, Bard DuPont en el bajo y Peter Vandergelder en el saxofón. A finales del verano del 1965, Grace, Darby y Jerry fueron inspirados por los Beatles para formar el grupo. Debutaron el 15 de Octubre de 1965 en el famoso Coffee Gallery de la zona de la playa norte, en San Francisco y continuaron hasta 1966. Sólo lanzaron un single en 1966, Somebody To Love(originalmente titulado Someone To Love), escrito por Darby, y con la canción Free Advice en la cara B. Fue grabado en la subsidiaria de Autumn Records en la playa norte, causando un pequeño impacto por toda la zona de la bahía. La banda trabajó con el productos Sylverter Stewart, cuando estaba formando aún su banda propia, Sly And The Family Stone. Stewart hizo grabar el single más de 50 veces a la banda hasta que salió perfecto. La banda empezaba a inspirar a otras nuevas bandas locales, cómo Jefferson Airplane, y fue entonces cuando Columbia le ofreció a la banda un contrato, pero Grace Slick se marchó de la banda para pasarse a la recién surgida Jefferson Aiplane, sustituyendo a Signe Toly Anderson cómo vocalista, llevandose Somebody To Love y White Rabbit(compuesta por ella misma) con ella. Desde el punto de vista musical, la banda no podría sobrevivir sin la vocalista principal y la banda se dividió por completo en 1966, al mismo tiempo que Grace y Jerry se divorciaron. Columbia lanzó algunas canciones en directo en dos álbumes separados, en 1968, después de que Grace encontrara la fama, uniéndolas todas en un doble LP en 1971. En 1995, Sundazed lanzó un CD con canciones de estudio.

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Aquí os dejo un link con 17 canciones entre ellas las legendarias White Rabbit y Somebody To Love, las versiones originales. Disfrutad.

Acid Jams

2008-10-25T08:36:00.000-07:00

Cómo ya he mencionado en incontables ocasiones, el paraíso hippie por excelencia se encontraba en San Francisco, concretamente en Haight Ashbury. Allí, numerosas bandas hippies, daban largos conciertos en el Golden Gate Park o en los famosos ballrooms cómo el Fillmore East y West de Bill Graham y el Avalon Ballroom de Chet Helms. Estos conciertos podían prolongarse durante horas e incluso días, gracias a los llamados "packs de artistas", que consistía en la participación de diferentes grupos de toda la bahía, sin pausa, unos detrás de otros. Además el concepto de concierto cambió en San Francisco, cuándo los grupos de rock ácido, al tocar sus canciones las alargaban incluso hasta diez minutos, debido al efecto que el LSD ejercía sobre ellos, por lo tanto, los conciertos de cada artista solían durar de una hora y media a dos, cuando anteriormente duraban tan sólo de treinta a cuarenta y cinco minutos. También había grupos que hacían largos jams de aproximadamente cuarenta minutos, improvisaban con todos los instrumentos teniendo cómo base el ritmo de una canción, y luego tocaban menos canciones o las acortaban, pero si les quedaba tiempo las tocaban todas y con el máximo de tiempo. Aquellos músicos disfrutaban tocando, además solían estar en pleno subidón de ácido en el momento preciso, por lo tanto conseguía crear el ambiente perfecto para todo aquel público que llevaba el subidón encima cómo ellos. Luego, cuando bajaban del escenario, los músicos se confundían con las demás personas, entre la multitud, para seguir disfrutando del concierto y de las actuaciones de sus compañeros. En ocasiones ocurría algo mágico, componentes de diferentes grupos e incluso grupos completos se unían con otros para tocar juntos largos jams ácidos. Aquí voy a colgar dos jams de rock ácido. En el primero, titulado Donovan's Reef Jam, actuaron Country Joe And The Fish con todos sus componentes más Jerry García y Mickey Hart de Grateful Dead, Jorma Kaukonen y Jack Casady de Jefferson Airplane y el músico Steve Miller, líder de la Steve Miller Band. Dura 38 minutos. En el segundo, de nombre Lovelight, actuaron The Grateful Dead con Janis Joplin, quién apareció en medio de la actuación, causando euforia por parte del público. Dura 20 minutos. Los dos fueron grabados en el Avalon Ballroom. Es interesante saber que en el Avalon Ballroom, los apuntadores realizaban excelentes trabajos, formando efectos psicodélicos con las luces de colores.

Donovan's Reef Jam:

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Lovelight:
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Fotografías: Bill Graham en la primera y Chet Helms en la segunda, los principales fundadores de la Family Dog, sin ellos no hubiera sido posible la grabación de estas increíbles jams ácidas.

The 13th Floor Elevators

2008-10-23T08:23:00.000-07:00

The 13th Floor Elevators fue un grupo de rock psicodélico fundado en Austin, Texas, a finales del 1965. Sólo encontraron un suceso comercial después de resolver sus problemas con la ley y dejar de usar las drogas. Como siempre, The 13th Floor Elevators, fue una de las primeras bandas psicodélicas. Fueron citados cómo un influyente grupo protopunk. Su clásico "You're Gonna Miss Me", que llegó a las listas Billboard en el puesto #55 en 1966, fue versionado en el primer álbum de los Nuggets en 1972, dejando hueya como un tema de rock de garage que fue un himno para los primeros punk rockers. Roky Erickson era el cantante/guitarrista, Tommy Hall era quién tocaba el jug(jarra) eléctrico, Stacy Sutherland guitarrista también, John Ike Walton el batería y Ronnie Leatherman el bajista. Erickson y Hall eran los compositores principales de la banda pero también los otros miembros de la banda también componían canciones ocasionalmente. El sonido del jug eléctrico de Tommy(el cual sonaba muy distinto al sonido de los jugs tradicionales) fue la firma de la banda, lo que los distinguió del resto. El primer single del grupo "You're Gonna Miss Me" (la segunda versión, ya que la primera fue grabada con el bajista Ernie Culley, cuando la banda se daba a conocer como The Spades), se posicionó en el puesto #2 de las listas locales y a principios del 1966 en el pues #65 en las nacionales. Durante la primavera del 1966 el grupo pasó por numerosos locales de Texas, tocando en Austin, Dallas y Houston. A final del verano de ese mismo año, los Elevators estuvieron por la costa oeste, apareciendo dos veces en la televisión nacional y tocando en los famosos ballrooms de San Francisco, tantas veces aquí mencionados, el Fillmore y el Avalon. La compañía discográfica The International Artists en Houston firmó con los Elevators un contrato de grabación para lanzar el álbum The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators, que llegó a ser un clásico underground que combinó perfectamente con la ardiente contracultura de la época. El álbum evocaba la experiencia con el LSD, como si fuera una puerta de escape a un nivel de más alto del control de tus emociones, una filosofía que los miembros de la banda adoptador con venerancia. Janis Joplin era una persona muy cercana a la banda en sus comienzos, ya que fue cuando ella estudiaba Bellas Artes en Austin. Cantó con ellos en varias ocasiones y casi entra en el grupo, pero en el último momento decidió no hacerlo porque según las palabras de Roky Erickson, no le gustaban las dorgas psicodélicas, así que se marchó a San Francisco y formó parte de Big Brother And The Holding Company, quiénes usaban más el alcohol cómo droga. Muchos otros posters de la época muestran también la misma expresión sobre el LSD, como los de Quicksilver Messenger Service, The Great Society y The Byrds. Durante su estancia en San Francisco, dónde siguieron experimentando y conociendo a numerosas bandas, grabaron su segundo LP, Easter Everywhere, que fue lanzado cómo si fueran ya artistas internacionales, en 1967. La ruptura, en 1968 fue debida a que Roky fue condenado por posesión de drogas (marihuana) y para evadir una larga estancia en la cárcel se declaró mentalmente incapacitado y se le recluyó por tres años en el hospital psiquiátrico Rusk State Hospital. La banda siguió grabando Bull of the Woods sin su presencia. Su último disco fue lanzado en 1969, titulado Live que de hecho no está grabado en vivo, sino que consta de outakes de estudio tempranos.

Primer LP(estudio), Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators:

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1.You're Gonna Miss Me

2.Roller Coaster

3.Splash 1 (Now I'm Home)

4.Reverberation (Doubt)

5.Don't Fall Down

6.Fire Engine
7.Thru the Rhythm

8.You Don't Know (How Young You Are)

9.Kingdom of Heaven

10.Monkey Island

11.Tried to Hide

Último LP(estudio), Bull Of The Woods:

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1.Livin' On

2.Barnyard Blues

3.Til Then

4.Never Another

5.Rose and the Thorn

6.Down by the River

7.Scarlet and Gold

8.Street Song

9.Dear Dr. Doom

10.With You

11.May the Circle Remain Unbroken

Country Joe And The Fish

2008-10-22T10:10:00.000-07:00

Country Joe and the Fish fue una banda de rock/folk conocida por sus protestas musicales contra la guerra de Vietnam, desde 1965 hasta 1970. Al principio, los miembros de la banda, eran abiertos y fluidos, pero desde el 1967 el grupo estaba formado por: el batería "Chicken" Hirsh(quién fue sustituido por Greg "Duke" Dewey en algunas ocasiones, por ejemplo en Woodstock, dónde realizó una increíble actuación), David Cohen a los teclados y Bruce Barthol al bajo. El cantante principal era "Country" Joe McDonald y el guitarrista principal Barry "The Fish" Melton. Los co-fundadores McDonald y Melton, añadieron a los demás músicos cómo una necesidad fundamental para la vida de la banda. Esta banda es un ejemplo claro de las primeras metidas en la música psicodélica. El LP "Electric Music for the Mind and Body" fue muy influyene en la radio, en el 1967. Canciones psicodélicas de larga duración cómo "Section 43", "Bass Strings", "Not So Sweet Martha Lorraine", "Janis" (de y para Janis Joplin) y "Grace" (para Grace Slick) (todas grabadas en la Vanguard Records) eran las que componían el LP. Su primer álbum se situó en el puesto #39 el 23 de septiembre de 1967, el segundo ocupó el puesto #67 el 3 de febrero del 1968 y el tercero el puesto #23 el 31 de agosto del 1968. Country Joe And The Fish actuaban con mucha frecuencia en el Fillmore de Bill Graham y en el Avalon Ballroom de Chet Helms. Compartían escenario con grupos cómo Jefferson Airplane, Grateful Dead, Quicksilver Messenger Service, Led Zeppelin y Iron Butterfly. Tocaron en el Monterey Pop Festival en 1967 y en Woodstock del 1969. En 1971 la banda apareció en una película del oeste actuando bajo el nombre de The Crackers. La película, titulada Zachariah, fue escrita por el Firesign Theatre y fue denominada la primera película eléctrica del oeste. También actuaron en la película de George Lucas, More American Graffiti y en la película Gas-s-s-s de Roger Corman en el 1971.

Canciones de la descarga:
Section 43 (studio)*
Rock n' Soul Music/Love*
Thought Dream
The Masked Marauder*
Rock Coast Blues
Flying High
Doctor of Electricity
Death Sound Blues
Not so Sweet Martha Lorraine (Live at Monterey Pop 1967)*
Section 43 (Live at Monterey Pop 1967)*
Love Machine (Live at Woodstock 1969)*

Link:

http://www.megaupload.com/es/?d=E9CSMTNS

Los tracks con el asterisco* son extras que psychedelicpaula añadió para ti, en directo, unos cuantos de Woodstock y de Monterey, disfrutadlos.

Dreams-Grace Slick

2008-10-21T09:26:00.000-07:00

Dreams es el álbum que sacó Grace Slick en el 1980 Grace. Fue grabado en Nueva York sin ningún miembro de Jefferson Starship(continuación de la banda ácida Jefferson Airplane). Steve Price de Pablo Cruise toca la batería en "Garden Of Man". Un single, "Seasons", fue lanzado para promocionar el álbum. Estuvo en el puesto #32 en las listas Billboard. Ocupó el número #28 en las listas del Reino Unido. -Wikipedia

Escrito durante su estancia en un grupo de Alcohólicos Anónimos, Slick, escribió sus temas reflejando en ellos su situación. Como resultado, sus letras estuvieron lejos de las obtusas letras anteriores, más accesibles que normalmente, cómo se puede ver por ejemplo, en "Do It The Hard Way" su evidente derrumbamiento. "Hay, cómo siempre, algunos momentos duros, cómo en la canción con estilo flamenco "El Diablo" y la fuerte guitarra de Scott Zito en el solo de "Full Moon Man". Lo que también es nuevo en la carrera de Grace, es que hay orquestra en algunas pistas del repertorio, cómo en el final de "Garden Of Man", arreglado por Ron Frangipane. -AllMusicGuide

Dreams es un álbum fantástico para escuchar de Grace Slick. Creo que era interesante colgarlo para todos los siguiedores de esta gran mujer, aunque no sea de música psicodélica o de los sesenta, pero Grace fue uno de los símbolos más importantes de la contracultura femenina junto a Janis Joplin, así que espero que lo disfrutéis.

1. Dreams

2. El Diablo

3. Face To The Wind

4. Angel of Night

5. Seasons

6. Do It The Hard Way

7. Full Moon Man

8. Let It Go

9. Garden of Man

Link:

http://sharebee.com/73adbd05

Fotografía 1: Grace Slick en algún concierto o reunión hippie en San Francisco, probablemente en 1967, en el Verano del Amor.

Fotografía 2: Carátula del álbum.

Ball And Chain 67-70

2008-10-14T10:32:00.000-07:00

Hoy os traigo de nuevo un CD recopilatorio hecho por mí. Son cinco versiones de Ball And Chain, cantadas por Janis Joplin. Ball And Chain es un blues, compuesto originariamente por Willie Mae Thornton, más conocida cómo Big Mama Thornton, a la que Janis Joplin admiraba, y quiso versionar su blues. Aquí he reunido cinco versiones de esta canción cantadas por Janis Joplin con sus tres diferentes bandas, todas en directo ya que nunca la grabó en estudio. La primera está grabada en 1967, en la famosa sala de conciertos de San Francisco, la Avallon Ballroom. Es pre-Monterey Pop, es decir, antes de que Janis y los Big Brother, alcanzasen la fama internacional e incluso mundial. La segunda, es en el Monterrey Pop, de 1967, el primer festival hippie que se celebró en California, y según muchos, padre del futuro Woodstock. A partir del Monterrey Pop, Janis y los Big Brother llegaron a alcanzar la fama mundial, y pasaron de ser Big Brother And The Holding Company a Big Brother And The Holding Company featuring Janis Joplin. Janis consiguió que las críticas se centrasen más en ella que en el grupo, hasta que finalmente lo abandonó. La tercera, fue grabada en el Fillmore, otra famosísima sala de conciertos ubicada también en San Francisco, propiedad de unos de los promotores más importantes de las danzas en San Francisco, Bill Graham, en el 1968, y fue incluida en el segundo LP de Janis con los Big Brother, Cheap Thrills, que también fue lanzado en 1968. La cuarta, fue grabada en Frankfurt, en 1969, ya con su segunda banda, la Kozmic Blues Band, durando su gira por Europa. Y la última fue grabada en Winnipeg, Canadá, durando el Festival Express (podéis encontrar un artículo sobre él en mi blog si no sabéis lo que es), con su tercera y última banda, la Full Tilt Boggie Band, tan sólo tres meses antes de que falleciera de una sobredosis de heroína. Espero que lo disfrutéis aquí dejo la lista.

1. Ball And Chain-Avallon Ballroom 1967(Big Brother & The Holding Co.)
2. Ball And Chain-Monterey Pop 1967(Big Brother & The Holding Co.)
3. Ball And Chain-Fillmore Auditorium 1968(Big Brother & The Holding Co.)
4. Ball And Chain-Frankfurt 1969(Kozmic Blues Band)
5. Ball And Chain-Festival Express, Winnipeg 1970(Full Tilt Boogie Band)

Ball And Chain 67-70:
http://www.zshare.net/info.html?20540998-37173e8dd89e00e3a500d4bb9df8cd99

P.D.:Gracias por vuestros comentarios, me encanta escuchar vuestras sugerencias. Podéis seguir haciéndolo, un blog sin lectores no iría a ninguna parte, muchas gracias.

Can You Pass The Acid Test?

2008-10-12T02:54:00.000-07:00

Estos CD's forman una serie de canciones, con las que podréis comprender el sonido de San Francisco en la mitad y a finales de los sesenta, en plena explosión hippie. Son canciones compuestas y cantadas por los sucesores de la generación Beat que se concentraron principalmente en el barrio de Haight Ashbury, un mercado libre de drogas, música y collares artesanales. Allí se concentraron la mayoría de los músicos en el 1966, que un par de años antes habían sido Beats o Beatniks y formaron parte de la escena del norte de la playa de San Francisco, pero a partir de 1965, Timothy Leary, un alocado científico, empezó a distribuir libremente LSD (dietilamida de ácido lisérgico) por la universidad de San Francisco y en general por toda la bahía. Una de las bandas pioneras de este movimiento fueron The Warloks, que se convirtieron más tarde en The Grateful Dead, que ayudaron a Timothy Leary y Neal Cassady con la distribución del LDS, mediante unas fiestas con música durante horas, que se hacían llamar Acid Test, ya os podéis imaginar por qué. Más tarde aparecieron otros grupos en San Francisco muy ligados a esta droga que crearon una nueva forma de rock, el rock ácido. Gracias a estos músicos también surgieron nuevos cambios dentro del mundo de la música en general. Antes del LSD cada artista que subía al escenario sólo tocaba durante 40 minutos cómo máximo, a partir de los Acid Test los músicos podían tocar durante horas, haciendo improvisaciones hasta de veinte minutos por canción. En el barrio de Haight se perdían los músicos entre la gente de la calle, todos eran iguales, y la gran mayoría eran artistas, ya fueran pintores, escritores o exhibicionistas. En esta recopilación pretendía captar la esencia de ese sonido de San Francisco, de ese movimiento que llegó a expandirse y a ser conocido por todo el mundo, y también captar la esencia de aquellos músicos y espectadores que podía estar durante horas disfrutando, ya fuera por la música, por el efecto de las drogas o por las dos cosas, quería captar la esencia de aquellos conciertos al aire libre en el Goleden Gate Park totalmente gratuitos o los llamados packs de artistas en el Bill Graham Fillmore East, en el Avalon Ballroom o en el Winterland, salas de conciertos famosos por su importante papel en medio de la psicodelia. Captar la esencia ácida de los sesenta.

Can You Pass The Acid Test? Vol.1
1. Dancing In The Street-The Mamas & The Papas
2. 3/5 Of A Mile In Ten Seconds (Live)-Jefferson Airplane
3. Love-Country Joe And The Fish
4. Light Is Faster Than Sound-Big Brother & The Holding Co.
5. Goin’ Up The Country-Canned Heat
6. China Cat Sunflower (Live)-The Grateful Dead
7. Light Your Windows-Quicksilver Messenger Service
8. White Rabbit-Jefferson Airplane
9. Seven And Seven Is-Love
10. Are You Gonna Miss Me-13th Floor Elevator
11. Plastic Fantastic Lover (Live)-Jefferson Airplane
12. If You’re Going To San Francisco-The Mamas & The Papas
13. Rock And Soul Music (Live)-Country Joe And The Fish

Can You Pass The Acid Test? Vol.2
1. Alone Again Or-Love
2. Combination Of The Two (Live)-Big Brother & The Holding Co.
3. Fresh Air-Quicksilver Messenger Service
4. Somebody To Love (Live)-Jefferson Airplane
5. Monday, Monday-The Mamas & The Papas
6. Slip Inside This House-13th Floor Elevator
7. A House Is Not A Motel-Love
8. Catch Me, Daddy (Live)-Big Brother & The Holding Co.
9. California Dreamin’-The Mamas & The Papas
10. Other Side Of This Life (Live)-Jefferson Airplane
11. Shady Groove-Quicksilver Messenger Service
12. Maybe The People Would Be-Love
13. Down On Me (Live)-Big Brother & The Holding Co.

Links:

Can You Pass The Acid Test Vol.1

http://www.zshare.net/download/204253818d8f8406/

Can You Pass The Acid Test Vol.2

http://www.zshare.net/download/20428666ac995eef/

Foto: Carátulas de los CD's.

P.D.: Os los descargaréis en formato zip. y los tendréis que descompromir con algún programa cómo el WinZip o el WinRar, espero que no tengáis problemas. Y recordad que un blog se alimenta de vuestros comentarios, así que podéis comentar y solicitar, se aceptan peticones.

Yer Blues-The Dirty Mac

2008-10-08T05:59:00.000-07:00

Yes I'm lonely wanna die
Yes I'm lonely wanna die
If I ain't dead already
Ooh girl you know the reason why.

In the morning wanna die
In the evening wanna die
If I ain't dead already
Ooh girl you know the reason why.

My mother was of the sky
My father was of the earth
But I am of the universe
And you know what it's worth.
I'm lonely wanna die
If I ain't dead already
Ooh girl you know the reason why.

The eagle picks my eye
The worm he licks my bones
I feel so suicidal
Just like Dylan's Mr. Jones
Lonely wanna die
If I ain't dead already
Ooh girl you know the reason why.

Black cloud crossed my mind
Blue mist round my soul
Feel so suicidal
Even hate my rock and roll
Wanna die yeah wanna die
If I ain't dead already
Ooh girl you know the reason why.

En 1968, se unieron cuatro de los grandes para formar un grupo. John Lennon(de los Beatles en aquél entonces) cómo vocalista principal y guitarista, Eric Clapton cómo guitarrista(de Cream), Keith Richards al bajo(de The Rolling Stones) y Mitch Mitchel a la batería(de The Jimi Hendrix Experience).Lennon había reunido a todos estos músicos para su participación en el especial de televisión The Rolling Stones Rock and Roll Circus. Grabado el 11 de diciembre de 1968, ésta era la primera vez que Lennon toca en público sin los otros Beatles desde la formación de la banda a principios de los años 60. Dirty Mac grabó una versión de "Yer Blues" y posteriormente un registro con Yoko Ono y el violinista Ivry Gitlis de una canción llamada "Whole Lotta Yoko" (que básicamente era una improvisación de blues con los gritos de Yoko de fondo). A Lennon se le ocurrió el nombre por un juego de palabras con el grupo Fleetwood Mac, que en ese entonces se llamaba "Peter Green's Fleetwood Mac" y era una banda muy popular de blues en Inglaterra. Cuando se le preguntó a Lennon qué tipo de amplificador de guitarra deseaba utilizar para la actuación su respuesta fue: "Uno que funcione". En 1996, el álbum The Rolling Stones Rock and Roll Circus había sido publicado, junto con el video de la película. La versión en DVD apareció en 2004.

Yer Blues:
http://es.youtube.com/watch?v=BxEX__YXmDs&

Whole Lotta Yoko:
http://es.youtube.com/watch?v=gt5vlquFTnM

Foto: The Dirty Mac

Cheap Thrills-Big Brother And The Holding Company

2008-09-29T07:32:00.000-07:00

Ooh!
Yeah yeah!

Alright, baby!

Everybody's got it,
They're all trying to feel it.
Everybody's dancing and singing romance
And they want to feel more, baby.

Baby, I've got to feel you more
Hey come on, feeling good, baby, baby,
Come on and do it, come on, come on,
Come on try it with me, try it with me, baby.

Oh, whoa, whoa, mama, mama, mama,
Oh, whoa, alright, come on, feel it!
Oh, whoa, waaaah!!
Whoa, whoa, whoa, whoa, whoa,

Yeah, we're gonna knock ya, rock ya,
Gonna sock at ya now. Huh!

Alright! Alright, alright!

Hey baby!
Everybody over at the Avalon Ballroom in the San Francisco bay
Everybody have-have-have have a lot of fun, I know!
I can tell you they're feeling good
I know, gotta try the feeling baby
Gotta try the feeling, gotta...

Whoa, whoa, whoa, whoa, whoa, oh!
Whoa, whoa, whoa, whoa, whoa, yeah.
Whoa, whoa, whoa, whoa, whoa.
Whoa, whoa, whoa, whoa, whoa.

Yeah, we're gonna knock ya, rock ya,
Gonna sock at ya now.

Hey!
Ooh!

Don't matter who you are, no, no,
Don't matter where you come from
You just gotta try to feel it
C'mon, c'mon, c'mon, c'mon, c'mon, c'mon, c'mon.

Oh yeah, oh yeah, oh yeah,
Oh yeah, oh yeah, oh yeah. Ready!

Whoa, whoa, whoa, whoa, whoa, come on, boys!
Whoa, whoa, whoa, whoa, whoa, yeah.
Whoa, whoa, whoa, whoa, whoa. Whoaah!!
Whoa, whoa, whoa, whoa, whoa.

Yeah, we're gonna knock ya, rock ya,
Gonna sock at ya now.

Do do do do do do do do do do do do do.

En junio de 1967, durante el famoso verano del amor, John Philips(de The Mamas And The Papas) y Lou Adler organizaron el Monterey Pop Festival. Big Brother And The Holding Company, cómo otras muchas bandas, ya habían alcanzado la fama local, y al asistir al Monterey Pop dieron el paso para darse a conocer nacionalmente. Actuaron el primer día del festival, pero hubo problemas con los filmadores del festival(D.A.Pennebaker) y la actuación de los Big Brother no fue filmada. Los oganizadores del festival quearon descontentos al enterarse y rogaron al grupo que actuara de nuevo al siguiente día, por supuesto, aceptaron encantados. Realizaron una excelente actuación, cantando y tocando juntos Combination Of The Two y Ball And Chain, blues en el que prestaron más atención a la vocalista principal, Janis Joplin, si lo escuchan entenderán por qué. Todo el mundo quedó impresionado y los músicos de todo el país no hacían más que comentar la actuación de la banda, más bien la de Janis. Los Big Brother estaban descontentos con su sello discográfico(Mainstream) y su manáger(Chet Helms), y cuando Albert Grossman(mánager de Bob Dylan entre otros) les ofreció un contrato de 300.000 dólares no se lo pensaron ni un momento, aunque a Albert le interesaba más la cantante que el grupo, ya que dos años más tarde le incitaría a cambiar de banda. A lo que íbamos, Albert Grossan los fichó y en agosto del 1968 salió el segundo álbum del grupo, esta vez bajo el sello de Columbia, Cheap Thrills, que se convirtió en disco de oro a los tres días de ser lanzado y estuvo ocho semanas en la posición número uno entre los cien hits del momento y permaneció 66 semanas en la lista. En un principio el álbum iba a llamarse Sex, Dope And Cheap Thrills(sexo, droga y excitaciones baratas), pero era demasiado para los altos cargos de la Columbia, entonces Janis sugirió dejar el nombre en Cheap Thrills, y así se hizo. También la portada iba a ser en principio una fotografía de los Big Brother desnudos en una cama, pero más tarde Janis Joplin conoció al famoso dibujante de cómics underground, Robert Crumb y le pidió que realizase la portada. La primera canción es Combination Of The Two, compuesta por el guitarrista del grupo Sam Andrew y es un canto dirigido a toda la gente de San Francisco y fue grabada en directo en el famoso salón de conciertos Avalon Ballroom. La segunda, I Need A Man To Love, fue compuesta por Sam Andrew y Janis Joplin en la que la cantante pide un buen hombre al que poder amar. La tercera, Summertime es un clásico que los hermanos Gershwin compusieron para la ópera de Jazz Porgy&Bess, y que Janis Joplin quiso incluir en su repertorio, y Sam Andrew hizo unos acertados arreglos para guitarra, una nana excelente sobre la segregación racional en la que una madre le canta a su hijo para que duerma, es una canción mágica en la que consiguen crear unos efetos increíbles mezclando los sonidos de las dos guitarras y la espeluznante y desgastada voz de Janis que se funde entre la psicodelia y el blues creando un efecto envolvente. La cuarta, Piece Of My Heart, fue un superhit compuesto por Jerry Ragavoy y Bert Berns, que estuvo durante doce semanas en la lista, en la posición número doce. La quinta, Turtle Blues, es un blues semi-autobiográfico que Janis Joplin escribió durante sus días en Texas, y acaba con un: nadie me derrumbará. John Simon, el productor del álbum toca el piano en esta canción, y Peter Albin(bajista de la banda) toca la guitarra ya que estaba más experimentado en el blues que los otros dos guitarristas de los Big Brother. La sexta, compuesta por todos los componentes del grupo, trata sobre una chica muy dulce que vuelve loco al guitarrista Sam Andrew, el que canta en esta ocasión, Oh, Sweet Mary. Y para cerrar el LP, la canción que lanzó a la fama a Janis Joplin, en la que con una increíble interpretación vocal conquista a todos los espectadores ya que fue grabada en directo en el Fillmore de San Francisco, Ball And Chain, compuesta y cantada anteriormente por Big Mama Thornton, a la que Janis admiraba. Este fue el último LP que Joplin realizó con Big Brother, ya que después de su lanzamiento las críticas se empezaron a centrar más en la polémica cantante por su voz rota por el Southern Comfort, su desinhibida sexualidad y su espontaneidad. Le doy un 9'5 a este álbum, porque la perfección no existe.

Combination Of The Two en el Monterey Pop:
http://es.youtube.com/watch?v=-gJXC5xkIBg

Ball And Chain en el Monterey Pop:
http://es.youtube.com/watch?v=iuph6Gw1hI4

Mi Canal Youtube en el que encontraréis más videos interesantes sobre música:
http://es.youtube.com/user/pauletaloca

Fotografías: La primera es la carátula del álbum Cheap Thrills y la segunda la que iba a ser la carátula del álbum, una foto de Big Brother desnudos en la cama.

The Mamas And The Papas

2008-09-29T06:19:00.000-07:00

All the leaves are brown

And the sky is grey
And the sky is grey

I've been for a walk

On a winters day

I'd be safe and warm

If I was in L.A.

California dreamin'

On such a winters day.

Stopped into a church

I passed along the way

Well, I got down on my knees

Got down on my knees

And I pretend to pray

I pretend to pray

You know the preacher likes the cold

Preacher likes the cold

He knows I'm gonna stay

Knows I'm gonna stay

California dreamin'

On such a winters day.

All the leaves are brown

And the sky is grey

I've been for a walk

On a winters day

If I didn't tell her

I could leave today

California dreamin'

On such a winters day

California dreamin'

On such a winters day

California dreamin'

On such a winters day.

A mediados de los sesenta en California, más concretamente en San Francisco, surgieron numerosas bandas influenciadas por e blues, rythm'n'blues, rock'n'roll y la droga estrella de los sesenta que actuaba directamente alterando el subconsciente de los que la consumían, la LSD(dietilamida de ácido lisérgico). Pero, en medio de todos estos grupos surgió el folk-rock impulsado por Bob Dylan y los grupos vocales de folk rock o psychedelic pop, impulsados por The Mamas And The Papas. En esta entrada voy a escribir sobre estos últimos. Formado por dos voces masculinas(John Philips y Denny Doherty) y dos femeninas(Mama Cass Elliot y Michelle Philips), y el principal compositor del grupo era John Philips. Las tres voces mássuaves(las dos masculinas y la de Michell) contrastaban perfectamente con la potencia de la voz de Mama Cass, llegando a crear tejidos vocales embelesadors y casi mágicos, en muchas ocasiones bajo el efecto del ácido. The Mamas And The Papas fueron el grupo vocal más importante de su época y siempre serán recordados cómo un clásico más de los sesenta.

Discografia:
1966
If You Can Believe Your Eyes and Ears
The Mamas & The Papas

1967
Deliver

1968
The Papas & The Mamas

1971
People Like Us

Fotografías: The Mamas And The Papas.

Hablan de Janis Joplin en la Ventana

2008-09-27T06:41:00.000-07:00

El otro día me llevé una grata sorpresa al escuchar en la Cadena Ser, en el programa de la Ventana, dentro de la sección musical, hablar de Janis Joplin. Aquí lo dejo, escuchen y comenten.

JIMI RIP

2008-09-19T08:19:00.000-07:00

James Marshall Hendrix nacó en Seattle, Washington, el 27 de noviembre de 1942. Tuvo una infancia muy dura, sus padres eran alcohólicos y se separaban y volvían a juntar constantemente, y además tuvieron que dar en adopción a algunos de sus hermanos, Jimi además era un niño bastante cerrado y tenía problemas con la pronunciacón, era tartamudo. A partir de los 14 empezó a mostrar su amor por la guitarra tocando la escoba, jaja, luego le compraron su primera guitarra, de segunda mano, con una sola cuerda y pasó un timpo hasta que le comparan una eléctrica. Luego entró en el servicio militar y al final salió para empezar a dedicarse más profesionalmente a la música. Su primera oportunidad de saborear el éxito llegó en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la Isley Brothers' Band para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin' Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, single que poco despues se convertiría en un éxito radiófonico. En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluídos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny's Music Shop; entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California a uno y al otro Randy Texas. Randy California se seria convertido más tarde en co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy.Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento. El 1966 fue el año del giro definitivo para Hendrix. Durante una noche en el Cheetah Club, ubicado sobre la West 21st Street, el guitarrista conoció a la entonces novia de Keith Richards, Linda Keith. Los dos se hicieron rapidamente amigos y Linda se esforzó para presentarle a Andrew Loog Oldham, manager de los Rolling Stones, y al productor Symour Stein. Ninguno de los dos recogió una impresión positiva del encuentro y - con gran desilusión de Hendrix - toda prospectiva de inserimiento se esfumó. Lejos de perder los ánimos, Linda insistió en presentarlo a Chas Chandler, en la época bajista del grupo Animals. El encuentro esta vez resulto fructuoso. En aquel periodo Chandler se encontraba próximo a concluir su historia con los Animals y estaba en busca de detalles para redefinir su propia situación como productor y manager; despues de un breve encuentro, Chandler comprendió que Hendrix tenia buenas prospectivas por delante y se convenció a si mismo del hecho de que una versión de un blues de Billy Roberts, Hey Joe, propuesta según el estilo agresivo que el guitarrista le habia ilustrado podia convertirse en un "single" de lanzamiento. Hendrix se esforzó en buen grado para elaborar una versión propia de Hey Joe; el resultado entusiasmó a Chandler hasta el punto de inducirlo a llevar al guitarrista a Londres para para firmar un contrato con el soporte del manager saliente de Animals, Michael Jeffrey. El paso sucesivo tenia que ser el de acercarle algunos músicos adecuados al nuevo sonido que tenian en mente. Despues de algunas audiciones se decidió en estructurar la formación sobre un modelo power-trio (en la época muy de moda, visto también el éxito de los entonces recién nacidos Cream) y los personajes elegidos para ese fin, ambos ingleses, fueron el guitarrista Noel Redding, relegado al bajo y el pirotécnico baterista Mitch Mitchell. Habia nacido la Jimi Hendrix Experience. El sonido del trío se reveló como una novedad absoluta; desde las primeras exhibiciones en Europa, las visionarias escaladas sonoras de Hendrix sostenidas por la furiosa bateria de Mitchell y de las lineas esenciales del bajo de Redding, crearon enorme impresión en el mundo de la música londinense, dando vida a un pasaje de voz sin precedente entre los artistas y grupos que animaban la escena en aquel entonces. La salvaje actitud "en vivo" del guitarrista creó suspiros en artistas ya afirmados como Eric Clapton y Jeff Beck, y el aura que lo acompañaba le permitió muy prontpronto de entrar en el salón bueno de la música de la época, al punto que los músicos de The Who se empeñaron en que Hendrix aceptase una propuesta de su discográfica, la Track Records. El primer tema ofrecido a la prensa fue justamente Hey Joe, retocado un poco con respecto a las intenciones iniciales debido de la salida de la versión del cantante folk Tim Rose, pero siempre adecuado al estilo de Jimi. En el lado B del "single" se encontraba Stone Free, un blues de tono grave, áspero y alucinado elegido entre sus primeras composiciones. La respuesta de las ventas fue notable y vino confirmada por los dos temas que le siguieron: Purple Haze y The Wind Cryes Mary; las canciones en cuestión se volvieron columnas importantes en los fogosos actos en vivo del grupo, acompañadas de clásicos del blues como Killing Floor de Howlin' Wolf (con el cuál normalmente abrian sus conciertos) y Rock Me Baby de B.B. King. Are You Experienced? obtuvo una excelente respuesta de ventas en el viejo continente, interrumpiendo su propio ascenso al segundo lugar en la clasifica británica por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles. De todos modos, la Experience estaba en busca de la ocasión perfecta para desembarcar en USA, donde aún era desconocida. La ocasión se presentó en junio de 1967, cuando el grupo fue invitado - por medio de Paul McCartney - a la histórica edición del Monterrey International Pop Festival llevada a cabo el 16,17 y 18 de junio de aquel año y generalmente considerado el evento de arranque del llamado "largo verano de amor". La oportunidad se reveló extremadamente favorable para Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendria en todo el país norteamericano, su performance seria inmortalizada en el documental que devendría tiempo más tarde del festival. La Experience no se dejó escapar la ocasión y se desenvolvió en una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de su entera época "live". En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a mimar actos sexuales, sonarla con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador. Al término de la exhibición, para remarcar su furiosa necesidad de extraer nuevos sonidos al instrumento, le dió fuego con gas liquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis de feedbacks lancinantes. El año 1967 vió la salida del sucesor de Are You Experienced? titulado Axis: Bold as Love, igualmente marcado por la poderosa vena ácida y experimental de su antecesor, pero caracterizado por sonidos menos ásperos y más cercanos al funk, blues y Rhythm and Blues. Con Bold as Love Hendrix proseguiría con su búsqueda sonora, experimentando con variaciones sobre los dos canales de salida estéreo, obteniendo resultados sonoros absolutamente innovadores. El disco fue además íntegramente grabado con la afinación de la guitarra disminuida medio tono, característica destinada a convertirse en standard en la producción del guitarrista.La gestación del último LP de estudio de Hendrix, el álbum doble Electric Ladyland, no fue menos problemática que la de Bold as Love. Ya durante las primeras fases de las sesiones Hendrix tuvo que aceptar el abandono por parte de su histórico productor Chas Chandler, literalmentemente irritado a causa de los numerosos desencuentros con el guitarrista. Su modo de concebir los temas y las grabaciones era totalmente opuesto; Si Chandler optaba por tener unos temas convencionales y de duración no superior a 5 minutos, Hendrix rebatía con su estilo absolutamente no ortodoxo, tanto en la concepción de las canciones como en sus grabaciones. La influencia de Chandler es evidente en los dos primeros LP de la Jimi Hendrix Experience, donde raramente un tema supera los 4-5 minutos, siguiendo la tradición pop. Al contrario, Electric Ladyland presenta arquitecturas perfectamente en sintonía con el estilo ácido y visionario de Hendrix, compaginando partes breves con larguísimas jam sessions caracterizadas por enormes espacios instrumentales, modalidades notablemente psicodélicas. Luego se disolvió la Jimi Hendrix Experience y Jimi formó una nueva banda. Woodstock y la nueva formación. El festival de Woodstock de 1969 fue seguramente uno de los eventos más representativos por el ingenio colectivo acarreado a la música de los años 60 y al movimiento flower power. En éste contexto, la actuación de Jimi Hendrix se convirtió en un verdadero y propio símbolo del festival, además que del pensamiento pacifista de aquellos años. La exhibición del guitarrista estaba programada para el cierre del evento, la noche del 18 de agosto de 1969, tercero y último de aquellos "tres dias de paz, amor y música". A causa de problemas técnicos y logísticos que se verificaron, por no contar con la violenta lluvia que se abatió sobre la zona en mitad del segundo día, su performance debió ser reprogramada para la mañana siguiente. La inmensa cantidad de fans de los tres dias anteriores (mas de 500.000 espectadores pagantes) se habia reducido considerablemente y Hendrix terminó cerrando el recital delante a una audiencia (respetable pero decisamente inferior a las expectativas) de aproximadamente 180.000 espectadores, exhaustos y en muchos casos incluso distraídos y desganados. El guitarrista se presentó sobre el palco con una formación inédita, introducida por el speaker como Jimi Hendrix Experience, pero rapidamente vuelta a presentar por el mismo Hendrix como Gipsy Sun and Raimbows: prosiguió una exhibición de dos horas (en absoluto entre las más largas de su carrera). El hecho que más sobresalió de todo modos en aquella histórica exhibición, fue la celebérrima transfiguración guitarristica operada sobre el tema The Star-Spangled Banner, himno de los Estados Unidos; Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclandolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla, el todo utilizando nada más que su guitarra. La realidad de los hechos, queda aún en una extrema controversia sobre el significado que Hendrix quizo dar a aquel modo de proponer el himno nacional estadounidense. Si bien su razón sea mas bien clara, hay que decir que desde hacia un año aquella versión de The Star-Spangled Banner era propuesta en vivo y el mismo Hendrix se mostró siempre misterioso sobre el tema: en una entrevista sobre el festival de Woodstock el guitarrista se declaró desinteresado a las cuestiones políticas, y a una pregunta más precisa - hecha durante el Dick Cavett's Show - sobre el porqué de su versión tan poco ortodoxa del himno norteamericano Jimi respondió muy tranquilamente "encuentro maravilloso tocarlo así". Algunas teorías de que Hendrix fuese de hecho favorable a la intervención bélica en Vietnam quedan totalmente de lado no solo al tomar en cuenta la transfiguración del himno efectuado en Woodstock, si no mas bien por escuchar el tema Machine Gun, contenido en su último LP Band Of Gypsys, una explícita canción de protesta en contra de la guerra. En 1970, en Londres (Inglaterra) James Marshall Hendrix falleció bajo circunstancias que aún no han podido ser completamente explicadas. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta y su novia, Monika Dannemann , fue a recogerle y le dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand. Las estimaciones médicas dicen que murió al poco tiempo. La causa de la muerte fué por asfixia causada por su própio vómito, al haber mezclado pastillas para dormir con alcohol. Monika Dannemann asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fué provocado por la ingesta excesiva de vino. Dannemann acusó incluso que Jimi Hendrix aún estaba vivo cuando le subieron a la ambulancia, y que fué negligencia médica causada en la ambulancia la que provocó que se ahogase con su propio vómito. No obstante, los agentes de policías y servicios sanitarios que lo encontraron en el apartamento, declararon que encontraron el cuerpo de Hendrix sin vida, e incluso que llevaba varias horas fallecido. Jimi Hendrix Muere a los 27 años y se convierte en un miembro más del famoso y selecto club de los 27.

Foto: Jimi Hendrix. Lo siento sale un poco borrosa pero todas salen así no sé que le pasa hoy a ésto :@

The Lovin' Spoonful

2008-09-12T05:05:00.001-07:00

La historia de los neoyorquinos Lovin' Spoonful es una de esas historias que a muchos nos hubiese encantado protagonizar, y es que su inicio no podría haber sido mejor: los dos miembros fundadores – John Sebastian y Zal Yanovsky - se conocen por primera vez en casa de Cass Elliot (de los Mamas & the Papas), en una reunión de amigos para ver por Tv – nada más y nada menos – que el debut de los Beatles en Estados Unidos en el Ed Sullivan Show. Era el 9 de Febrero de 1964. Se cuenta que después de la ya mítica actuación de los Fab Four en Tv, John Sebastian y Zal Yanovsky estuvieron tocando la guitarra durante casi toda la noche y fue cuando decidieron formar una banda de rock. Las semillas de los Lovin' Spoonful ya estaban sembradas. Varios meses después, en enero de 1965, el grupo se consolida con la entrada de dos nuevos miembros, con lo que la formación original, ya como cuarteto, quedaría de la siguiente forma: John Sebastian (voz principal, guitarra y armónica), Zal Yanovsky (voz y guitarra), Steve Boone (bajo) y Joe Butler (batería). A partir de ahí formaron su sello(Kamasutra) y todo fue sobre ruedas hasta que en el año 1967 se marcha del grupo Zal Yanovsky, debido a un asunto de drogas en el que se ve involucrado. Este triste suceso supone la pérdida de la mitad del alma de la banda, y por tanto el inevitable camino hacia el fin del mismo. La formación continuó sin él substituyéndolo por Jerry Yester, pero la banda no volvió a ser lo mismo sin Zal ya que a John Sebastian le afectó mucho y perdió el interés por la banda hasta dejarla. Por supuesto John, el miembo más carismático del grupo siguió adelante con su carrera actuando en el mítico Woodstock del 69, interpretando Younger Generation y I Had A Dream. The Lovin Spoonful fue junto con otras formaciones, la más importante banda de los sesenta, la calidad de la múica era indiscutible además no se limitaban a la formación básica, también había teclados de vez en cuando, arpa e incluso autoharp y hay que tener en cuenta que también fueron una parte muy imortante cómo respuesta a la invasión británica.

Aquí dejo links de algunos videos:
Summer In The City:http://es.youtube.com/watch?v=1fxhebNeFXk

Do You Believe In Magic?:http://es.youtube.com/watch?v=eaqRwFyoGgQ&feature=related

Daydream:http://es.youtube.com/watch?v=pDDB0cRZ7NU&feature=related

You Didn't Have To Be So Nice:http://es.youtube.com/watch?v=TC2AlLSVNxs

Darling Be Home Soon:http://es.youtube.com/watch?v=Ij3veUsjQ_U

Rain On The Roof:http://es.youtube.com/watch?v=eg3LhemlOcE&feature=related

Foto: The Lovin' Spoonful.

I Am The Walrus-The Beatles

2008-09-10T05:33:00.000-07:00

I Am the Walrus (Soy la Morsa) es el título de una canción escrita a mediados de 1967 por John Lennon, aunque editada a nombre de Lennon/McCartney, y publicada como single junto con Hello Goodbye por The Beatles el 24 de noviembre de ese mismo año, y el 27 de noviembre en el álbum Magical Mystery Tour, también suyo.

I Am the Walrus es también [dentro del álbum Magical Mystery Tour] una de mis canciones favoritas, no sólo porque la escribí yo, claro, sino porque es una de esas canciones con tantos detalles que incluso dentro de cien años podrían seguir interesándote.
John Lennon, 1974.

La letra tiene su origen en varios otros temas de los cuales el autor aún sólo tenía completados algunos fragmentos: el primero se le ocurrió cuando, al salir de su residencia en Weybridge, escuchó el sonido de la sirena de un coche de policía. Nada más escucharlo le asoció las palabras: «Mis-ter Ci-ty po-li-ce-man ci-ty» cantadas al ritmo de la sirena. La segunda idea le vino en su jardín en la misma casa, cuando concibió una corta rima sobre él mismo sentado allí; y la tercera consistió en un fragmento sin sentido aunque bastante poético sobre estar sentado sobre un cornflake. Sólo Lennon hubiera podido unir los tres versos, aparentemente sin relación alguna, en una canción que funcionase como una unidad.

Basta con que pongas juntas varias imágenes y las unas, y lo llamas poesía. Pero cuando escribí esa canción usé la misma perspectiva que para In His Own Write [libro publicado por Lennon en 1964].
John Lennon, 1980.

Un tiempo después de ocurrírsele estos versos, un alumno del Quarry Bank Scool —donde Lennon había estudiado en su infancia— le escribió hablándole sobre un profesor de Lengua que les había encargado un trabajo en el cual debían de intentar descifrar los significados ocultos de algunas de las letras de las canciones de The Beatles. El esfuerzo de aquel profesor fascinó a Lennon, el cual, tras escribir una respuesta a dicho alumno —fechada en 1 de septiembre de 1967, y más tarde subastada en Londres en 1992— se decidió a escribir la canción más indescifrable y confusa que se hubiera escrito nunca, con el propósito de volver locos a todos aquellos que se dedicaban a intentar desentrañar los significados ocultos de sus canciones. Así pues, al ir a escribirla tuvo que incluir en ella los tres versos que había dejado enterrados hacía ya un tiempo.

Lo de la «Morsa» es como un sueño; las letras no significan casi nada. La gente extrae un montón de conclusiones y es de lo más absurdo.
John Lennon, 1969.

Siempre he sido irónico, todos lo eran. Sólo porque otras personas vean significados de lo que sea... ¿Qué es lo que realmente significa: «I am the eggman»? Por lo que a mí respecta, podría haber sido una budinera. No hay que tomárselo todo tan al pie de la letra.
John Lennon, 1980.

En aquella época escribía de forma poco clara, a lo Dylan, nunca decían lo que quería decir sino que daba una impresión sobre algo, que más o menos podía interpretarse. Es un buen juego. Pensé: «Escriben esa mierda pretenciosa y se salen con la suya.» Se ha hablado más de las letras maravillosas de Dylan que de todas las otras letras. De las mías también. Pero eran los intelectuales los que interpretaban a Dylan o The Beatles. Dylan escribía sobre el asesinato como si nada. Pensé: «Yo también sé escribir esa porquería».
John Lennon, 1980.

Para completar el tema que acababa de comenzar a componer, el cual aún no tenía título, John Lennon llamó a su compañero de la infancia, Pete Shotton, para que le recordara la letra de aquella canción que solían cantar cuando eran niños. Shotton le recordó la letra de la canción, la cual decía: «Yellow matter custard, green slop pie; all mixed together with a dead dog’s eye. Slap it on a butty, ten foot thick; then wash it all down with a cup of cold sick.» Lennon se quedó con algunas partes de la rima para la nueva canción, a las cuales les añadió las tres rimas que ya tenía diseñadas, con lo que ya tenía gran parte del tema. Una vez que hubo terminado esta parte, Lennon simplemente escribió a Shotton: «A ver si esos cabrones resuelven ésta.»

Otro elemento importante en la canción es la mención del: «Element’ry penguin singing Hare Krishna.» Esto se incluía en referencia a Allen Ginsberg, personaje el cual tenía el hábito de cantar el Hare Krishna en todos los eventos públicos a los que asistía.

Había visto a otras personas a quienes les gustaban Dylan y Jesucristo hablar del Hare Krishna. Me refería en concreto a Ginsberg. Las palabras: «Element’ry penguin» significan que es bastante ingenuo ir por ahí salmodiando el Hare Krishna o de repente creer ciegamente en un ídolo.
John Lennon, 1980.

Las referencias en el estibillo a la «morsa» provenían de un poema de Lewis Carroll, poemas que Lennon siempre había adorado, titulado La Morsa y el Carpintero e incluido en el libro Alicia en el País de las Maravillas. Este poema trata en esencia sobre una morsa que deja al carpintero sin ostras, comiéndoselas todas ella y engordando; es una especie de alegoría a la nocividad del capitalismo. El problema radica en que Lennon había leído el poema hacía ya mucho tiempo, y no lo había entendido bien o no se acordaba correctamente de su contenido, con lo que la letra estaba equivocada; aunque eso ya no importaba.

La idea la saqué de La Morsa y el Carpintero, de Alicia en el País de las Maravillas. A mí me parecía un poema hermoso. Nunca se me ocurrió que Lewis Carroll se refiriera al sistema capitalista. Nunca intenté descifrar el significado, que es lo que hace la gente con la obra de The Beatles. Al cabo de un tiempo volví a leer el poema y me di cuenta de que la Morsa era la mala y el Carpintero el bueno. Pensé: «Oh, mierda, me he equivocado de personaje». Pero entonces no habría sido lo mismo, ¿no? «I am the carpenter...»
John Lennon, 1980.

Vimos la película en Los Ángeles y la Morsa era una capitalista que se comía todas las putas ostras. Siempre me había imaginado a la ostra en el jardín y la idea me gustaba, así que nunca me molesté en comprobar quién era de veras la Morsa. Es una hija de puta, eso es lo que es. Pero por el modo en que está escrito, todos suponen que significa algo. Es decir, hasta yo lo supuse. Todos lo suponíamos porque si yo decía: «I am the Walrus» entonces tenía que significar: «Soy Dios», o algo por el estilo. Sólo es poesía, pero para mí se convirtió en algo simbólico.
John Lennon, 1970.

Los versos con los que comienza la canción corresponden a las ideas de Lennon acerca del concepto de «la unidad», aunque esto por supuesto y como todos los elementos del tema, no tenía demasiado que ver con el resto de componentes.

A lo largo del tema se encuentra además una referencia a una canción publicada por The Beatles unos meses atrás: Lucy in the Sky with Diamonds.

El «Hombre Huevo» al que se refiere en el estribillo es probablemente el mismo personaje que aparece en el libro del que John sacó la idea de la Morsa: Alicia en el País de las Maravillas.La canción contiene además una exclamación algo inusual que se repite tras cada vez que se dice: «I am the Walrus»: «Goo goo g’joob.» Existen varias hipótesis —insatisfactorias por otra parte— acerca del origen y significado de estas sílabas; la novela de James Joyce Finnegan’s Wake contiene las sílabas: «Goo goo goosth» hacia el encabezamiento de la página quinientos cincuenta y siete, donde se dice:
Downand she went on her knees to blessersef that were knogging together like milk-juggles as if it was the wrake of the hapspurus or old Kong Gander O’Toole of the Mountains or his googoo goosth she seein, sliving off over the sawdust lobby out ofthe backroom, wan ter, that was everywans in turruns, in his honeymoon trim, holding up his fingerhals, with the clookey in his fisstball...
No es del todo claro que la fuente sea Joyce, o lo que querría decir si esa fuera la fuente; otras teorías apuntan a que el: «Goo goo g’joob» es simplemente una imitación del sonido que producen las morsas.

A lo largo de toda la canción se suceden, además, palabras inventadas por el propio Lennon, sin sentido alguno pero de gran plasticidad a la hora de combinarlas y formar versos. Algunas de estas extrañas palabras son grabalocker o texpert, las cuales completan la letra de I Am the Walrus.

Si bien la historia de la letra de la canción ha ocupado ya de por sí varios largos párrafos, su increíble música no puede ser menos. Este tema es técnicamente un prodigio de la canción, ya que, a pesar de su enorme complejidad, fue grabado enteramente en tan sólo cuatro pistas, cuando ahora se suelen usar hasta treinta y dos. En un principio, y una vez que la letra estuvo terminada, se grabó en una única pista con tan sólo un mellotrón y algo de percusión —esta toma puede escucharse en el segundo disco del Volumen II de la Anthology. Esta primera versión no capturaba realmente la esencia psicodélica, extravagante y onírica de la canción, la cual debía permitir ver a: «Sardinas de sémola escalando la torre Eiffel» y al: «Joker riéndose de vosotros.» Esto se solucionó gracias a otro genio, George Martin, el cual compuso específicamente para la canción una partitura para seis instrumentos de orquesta —ocho violines, cuatro violonchelos, tres trompas y un clarinete—, que encajó a la perfección en el tema. El marco perfecto para la sublime, escalofriante voz de John son los coros de nada menos que dieciséis personas, consistentes simplemente en: «Uaaahhs» y risas, que a su vez fueron también cuidadosamente orquestradas por Martin.Ahora bien, John Lennon aún no había terminado con esto totalmente su canción, de la cual ya esperaba que fuera realmente especial. Para dar el cierre final, Lennon conectó directamente para que se mezclara con la música la radio, con el programa que entonces se estaba emitiendo: La Tragedia del Rey Lear, de William Shakespeare, la cual era el tercer programa del día en la BBC, y en esos momentos estaba en el Acto IV, Escena VI. Los fragmentos que pueden distinguirse en los estribillos que se repiten al final son:
«Now, good sir, [what are you?]» y: «[A most poor man] made tame by fortune’s [blows].» Ya casi al acabar la canción un fragmento largo completo fue mezclado y puede oírse, aunque intervalos, el siguiente texto:
—Toma mi bolsa:
y si tienes corazón, entierra mi cuerpo,
y entrega las cartas que llevaba las manos de Edmund Earl de Gloster;
búscalo en la fiesta Británica. —Oh muerte inoportuna.—
Te reconozco: un villano servicial:
como un oficioso agente de tu señora,
tan malvado como podrías desear.
—¿Qué, está muerto?
—Sentaos, padre; descansad.
Con esta última frase la canción concluye tras un monumental crescendo mezclado además con fragmentos de canciones de anuncios, como: «Oompah, oompah, everybody’s got one» y otras por el estilo.

Había incluso fragmentos de la BBC en directo. Estaban recitando a Shakespeare o algo e incluí en la canción lo que decían en ese momento en la radio.
John Lennon, 1980.

¿Sabes lo que dicen justo al final de la canción? «Everybody’s got one, everybody’s got one». Hicimos unas seis mezclas y yo usaba cualquier cosa. Nunca supe que se trataba del Rey Lear hasta que alguien me lo dijo, varios años después; yo apenas entendía lo que decía el de la radio. Era interesante mezclar la canción con los fragmentos en directo de la radio. Así que ése es el secreto de la canción.
John Lennon, 1974.

En un principio la canción se publicó como cara B del single Hello Goodbye/I Am the Walrus, el veinticuatro de noviembre de 1967. Un poco más tarde apareció la película de The Beatles Magical Mystery Tour, en la cual aparecía el onírico videoclip correspondiente a la canción, y en cuya banda sonora, publicada el 27 de noviembre de 1967, se incluía ésta.

Creo que todos pensábamos que Magical Mystery Tour estaba bien. No era lo mejor que habíamos hecho, pero la defiendo en el sentido de que, por ejemplo, contiene la única actuación en vivo de I Am the Walrus. Es la única vez que la tocamos en vivo.
Paul McCartney, 1995.

Después de comercializarse y durante algún tiempo, la canción estuvo censurada en el Reino Unido por mencionar en su letra la palabra: «Knickers» (bragas, pantaletas).

No se debe olvidar que nuestras primeras canciones eran de amor: Love Me Do, I Want to Hold Your Hand, Please Please Me, etc., y de repente hacemos I Am the Walrus con versos como: «You let your knickers down» («Te dejaste bajar las bragas, pantaletas »).
Ringo Starr, 1995.

Por un motivo u otro, la BBC prohibía todas mis malditas canciones. En una ocasión incluso prohibieron Walrus, porque decía: « pantaletas ».
John Lennon, 1980.

Elegimos la palabra «knickers» porque es muy expresiva. Es musical y fluida. Alguien escuchó que Joyce Grenfell dijo ayer algo sobre: «Pull your knickers down» («Bájate las bragas»). Así que entérate, sir Henry Fielding, o quienquiera que lleve la BBC.
John Lennon, 1967.

A partir de su publicación, los mismos Beatles se refirieron a ella en diversas canciones posteriores: en 1968, no más de un año después de que apareciera, se convirtió en una de las cinco canciones aludidas en Glass Onion, la canción del álbum The Beatles en la cual se burlaban de los analizadores de sus letras jugando con los significados de varias de sus canciones —concretamente, Strawberry Fields Forever, I Am the Walrus, Lady Madonna, The Fool on the Hill y Fixing a Hole. En ella dice: «Here’s another clue for you all: the Walrus was Paul.» Acerca de esto último, Lennon declaró en 1980 a la revista Playboy lo siguiente:

I threw the line in —«The Walrus was Paul»— just to confuse everybody a bit more. And I thought: «Walrus» has now become me, meaning: «I am the one.» Only it didn’t mean that in this song.
John Lennon.

Paul McCartney también respondió acerca de estos versos en una entrevista concedida para formar parte de un documental acerca de The Beatles en 1981 (ya un año después de la muerte de Lennon):
John happened to have a line go: «The Walrus was Paul» and we had a great giggle to say: «Yeah, let’s do that», because everybody’s gonna read into it and go crackers cause they all thought that John was the Walrus.
Paul McCartney.

En el magnífico álbum que Lennon publicó en 1970 como su primer trabajo «serio» como solista —anteriormente había publicado cuatro álbumes experimentales—, Plastic Ono Band, John canta —concretamente en la décima canción, God—: «I was the Walrus, but now I’m John.»

Bastantes años más tarde, The Rutles, grupo parodia de The Beatles, publicaron su particular versión de la canción bajo el título de Piggy in the Middle; y en el año 1997, en su álbum The Masterplan, el grupo de rock de Manchester Oasis publicó su versión rock del tema.

¿QUIENES HAN HECHO VERSIONES DE I AM THE WALRUS?
Die Toten Hosen - Swingle Singers - Fläskkvartetten & Freddie Wadl - Frank Zappa - Jeff Martin - Freddie Wadling - Gray MatteR - Akashaman – Bono - A toys orchestra - Jackyl - Oingo Boingo - Jim Carrey - John Lennon - John Otway - Lord Sitar - The Beatles -Oasis - Rutles - SpookyTooth - Styx - Fab Faux on David Letterman

I AM THE WALRUS
John Lennon
Intérpretes
John Lennon: piano eléctrico y voz.
Paul McCartney: bajo eléctrico y voces.
George Harrison: pandereta y voces.
Ringo Starr: batería.
Sidney Sax, Jack Rothstein, Ralph Elman, Andrew McGee, Jack Greene, Louis Stevens, John Jezzard y Jack Richards: violines.
Lionel Ross, Eldon Fox, Bram Martin y Terry Weil: chelos.
Gordon Lewins: clarinete.Neil Sanders, Tony Tunstall y Morris Miller: trompas.
Peggie Allen, Wendy Horan, Pat Whitmore, Jill Utting, June Day, Sylvia King, Irene King, G. Mallen, Fred Lucas, Mike Redway, John O’Neill, F. Dachtler, Allan Grant, D. Griffiths, J. Smith y J. Fraser (Mike Sammes Singers): coro.

Y aquí la letra y la traducción:
I Am The Walrus
I am he as you are he as you are me and we are all together.
See how they run like pigs from a gun, see how they fly.
I'm crying.

Sitting on a cornflake, waiting for the van to come.
Corporation tee-shirt, stupid bloody tuesday.
Man, you been a naughty boy, you let your face grow long.

I am the eggman, they are the eggmen.
I am the walrus, goo goo g'joob.

Mister city policeman sitting
Pretty little policemen in a row.
See how they fly like lucy in the sky, see how they run.
I'm crying, i'm crying.
I'm crying, i'm crying.

Yellow matter custard, dripping from a dead dog's eye.
Crabalocker fishwife, pornographic priestess,
Boy, you been a naughty girl you let your knickers down.

I am the eggman, they are the eggmen.
I am the walrus, goo goo g'joob.

Sitting in an english garden waiting for the sun.
If the sun don't come, you get a tan,
From standing in the english rain.

I am the eggman, they are the eggmen.
I am the walrus, goo goo g'joob g'goo goo g'joob.

Expert textpert choking smokers,
Don't you thing the joker laughs at you?
See how they smile like pigs in a sty,
See how they snied.
I'm crying.

Semolina pilchard, climbing up the eiffel tower.
Elementary penguin singing Hare Krishna.
Man, you should have seen them kicking Edgar Allan Poe.

I am the eggman, they are the eggmen.
I am the walrus, goo goo g'joob g'goo goo g'joob.
Goo goo g'joob g'goo goo g'joob g'goo.

Yo Soy La Morsa
Yo soy él y tú eres él y tú eres yo y todos somos todos juntos,
Mira cómo corren como cerdos ante un rifle, mira cómo vuelan,
Estoy llorando.

Sentado en un copo de maíz esperando que llegue la camioneta,
Camiseta de la corporación, maldito martes estúpido,
Tío has sido un chico malo se te ha puesto la cara larga.

Yo soy el hombre huevo, ellos son los hombres huevo,
Yo soy la morsa, goo goo g'joob.

El Policía de la Ciudad,
El precioso policía sentado en fila
Mira cómo vuelan, cmo Lucy en el cielo mira cómo corren.
Estoy llorando.
Estoy llorando.

Natilla de sustancia amarillenta goteando del ojo de un perro muerto,
Pescadera de cangrejos de cámara frigorífica, sacerdotisa pornográfica,
Oye, has sido una chica mala te bajaste las bragas.

Yo soy el hombre huevo, ellos son los hombres huevo
Yo soy la morsa, goo goo g'joob.

Sentado en un jardín inglés esperando el sol,
Si no sale el sol te pones moreno,
De estar bajo la lluvia inglesa.

Yo soy el hombre huevo, ellos son los hombres huevo,
Yo soy la morsa, goo goo g'joob.

Expertos expertos fumadores asfixiados,
¿No creéis que el bufón se ríe de vosotros,
Mira cómo sonríen cómo cerdos en una pocilga,
Mira cómo gruñen,
Estoy llorando.

Sardinas de sémola subiendo a la Torre Eiffel,
Pingüino primario cantando Hare Krishna
Oye, tenías que haberles visto dando patadas a Edgar Allen Poe.

Yo soy el hombre huevo, ellos son los hombres huevo,
Yo soy la morsa, goo goo g'joob g'goo goo g'joob.
Goo goo g'joob g'goo goo g'joob g'goo.

Foto: La Morsa y El Carpintero en la película de Alicia en el País de las Maravillas, al parecer Grace Slick no era la única que leía los poemas de Lewis Carroll.

I Want You

2008-09-04T04:15:00.000-07:00

Abro esta entrada con una imágen muy triste, que en los sesenta estaba casi tan de moda cómo los Beatles. Ésta es una entrada para recordar todo por lo que nuestros hermanos lucharon, todas esas manifestacones, esas luchas, esas muertes por salvar a otros, también esas muertes por tener que matar sin querer matar. Recordar Woodstock en el momento en que Country Joe McDonald levantó a 300.000 personas con la canción contra la guerra de Vietnam y para agradecer a todos los que lucharon todo lo que hicieron, GRACIAS HERMANOS, porque al final, lo conseguistéis. Y aquí dejo la canción de los Beatles, que compuso Lennon con la ayuda de Yoko Ono, por la violenta guerra de Vietnam y el famoso cartel de aquí arriba.

I want you
I want you so bad
I want you
I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad

I want you
I want you so bad, babe
I want you
I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad

I want you
I want you so bad, babe
I want you
I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad

I want you
I want you so bad
I want you
I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad

She's so heavy
Heavy, heavy, heavy

She's so heavy
She's so heavy
Heavy, heavy, heavy

I want you
I want you so bad
I want you
I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad

I want you
You know I want you so bad, babe
I want you
You know I want you so bad
It's driving me mad
It's driving me mad
Yeah

She's so...

Foto: El famoso cartel para el reclutamiento en el ejército: I Want You.

Chelsea Hotel #2-Leonard Cohen

2008-09-03T07:43:00.000-07:00

El propio Leonard Cohen cuenta que cierto día se subió a un ascensor del famoso hotel Chelsea en Nueva York esperando encontrar a Brigitte Bardot. Tal cosa no ocurrió, pero si se cruzó con la una vez más protagonista de la historia, Janis Joplin. Fue una pareja improvisada, eran tan diferentes, y con un par de miradas y un caluroso abrazo fue suficiente. Algo ocurrió dentro del acensor, que al subir al piso los dos tenían claro que iban a pasar esa noche lluviosa juntos en la habitación de aquel famoso hotel, con la limusina de aquella famosa mujer esperando en la calle 23 de Nueva York, entre la 8ª y 9ª avenida, y de ahí surgió la canción Chelsea Hotel.

I remember you well in the Chelsea Hotel,
You were talking so brave and so sweet,
Giving me head on the unmade bed,
While the limousines wait in the street.

Those were the reasons and that was New York ,
We were running for the money and the flesh,
And that was called love for the workers in song,
Probably still is for those of them left.

Ah but you got away, didn't you babe,
You just turned your back on the crowd,
You got away, I never once heard you say,
I need you, I don't need you I need you, I don't need you.

And all of that jiving around I remember you well in the Chelsea Hotel,
You were famous, your heart was a legend,
You told me again you preferred handsome men,
But for me you would make an exception.

And clenching your fist for the ones like us,
Who are oppressed by the figures of beauty,
You fixed yourself, you said,
"Well never mind we are ugly but we have the music."

And then you got away, didn't you babe,
You just turned your back on the crowd,
You got away, I never once heard you say,
I need you, I don't need you I need you, I don't need you.

And all of that jiving around I don't mean to suggest that,
I loved you the best I can't keep track of each fallen robin,
I remember you well in the Chelsea Hotel,
That's all, I don't even think of you that often.

Te recuerdo claramente en el Chelsea Hotel,
Hablabas tan dulce y segura,
Mamándomela sobre una cama deshecha
Mientras en la calle te esperaba la limusina.

Ésas fueron las razones y ésa fue Nueva York,
Nos movíamos por el dinero y la carne
Y a eso lo llamaban amor, los del oficio,
Probablemente aún lo es para los que quedan.

Pero te fuiste, ¿verdad nena?
Sólo le diste la espalda a la gente y te alejaste,
Ya nunca volví a oirte decir:
Te necesito, no te necesito. te necesito, no te necesito.

Mientras todos te bailaban alrededor te recuerdo claramente en el Hotel Chelsea,
Ya eras famosa y tu corazón era una leyenda,
Volvías a decirme que preferías hombres bien parecidos,
pero que por mí harías una excepción.

Y cerrando el puño por los que, como nosotros,
Están oprimidos por los cánones de la belleza
Te arreglaste un poco y dijiste:
No importa, somos feos pero tenemos la música.

Pero te fuiste, ¿verdad nena?
Simplemente diste la espalda a la gente y te alejaste
Ya nunca volví a oirte decir:
Te necesito, no te necesito. te necesito, no te necesito.

Coreándote todos alrededor y no pretendo sugerir que yo te amara mejor
No puedo llevar la cuenta de cada pájaro que cazaste.
Te recuerdo claramente en el Hotel Chelsea.
Eso es todo, no pienso en ti muy a menudo.

Link de la canción:
http://es.youtube.com/watch?v=sXQNBRcEmj8&feature=related

Foto: Hotel Chelsea en Nueva York.

The Beatles & The Grateful Dead

2008-09-01T07:55:00.000-07:00

Bueno esta entrada es para informar a los lectores de que el otro día navegando por internet encontré una página web genial, de una radio independiente, con diferentes canales de buena música, hay folk, rock, blues y retrograde que es dedicado a música de los sesenta y setenta incluso ochenta con grandes intérpretes. Puedes pasar las canciones o pausarlas o ponerlas en stop. Eliges lo que quieres escuchar en una lista enorme que nunca se acaba. Además también informo de que todos los martes hacen un programa dedicado a los Beatles y seguidamente otro dedicado a Grateful Dead, lo malo es que son en inglés pero es un canal muy bueno. Todos los martes a las 4pm allí, en américa y aquí a las 12pm empieza el programa de los Beatles, para acceder a él sólo hay que pulsar un link que aparece en pantalla al poner la página web y después del programa de los Beatles que dura una hora, el de Grateful Dead comienza a la 1pm, las 5pm allí. Durante ese período podrán escuchar anécdotas de la banda y una selección con sus mejores canciones. Aquí les dejo el link, espero que lo disfruten:

http://www.mvyradio.com/

Foto:
A la izquierda The Beatles en el año 1969 de izquierda a derecha: Paul McCartney, John Lennon, Ringo Starr y George Harrison.

A la derecha The Grateful Dead entre el año 1979-1990 de izquierda a derecha: Mickey Hart, Phil Lesh, Jerry Garcia, Brent Mydland, Bill Kreutzmann y Bob Weir.

Anécdotas de Jimi, Janis y Jim

2008-09-01T05:47:00.000-07:00

Jimi Hendrix y Janis Joplin se conocieron durante una serie de conciertos en el Fillmore, en los que actuaban primero uno y luego otro. Cuenta la leyenda que entre pases Janis y Jimi practicaron el sexo en los baños de los camerinos de Fillmore. Jimi todavía vivía en Londres con su novia Kathy Etchingham, aunque de gira se comportaba como si fuera independiente. Janis hubiera sido una amante más que dispuesta, y tal vez la incitadora de cualquier revolcón carnal, y la idea de dos estrellas de alza achuchándose contra la pared de un camerino se convirtió en una parte de la larga historia de la mítica sala de conciertos de San Francisco. Más tarde también coincidieron en Monterey, y fueron tomadas unas fotos en las que salen Janis y Jimi, en una sale Jimi grabando con una vieja camára en un camerino a Janis y otros músicos y en otra Jimi le da la mano a Janis como para besársela. También coincidieron en Woodstock pero ningún documento confirma que hubieran pasado algún tiempo juntos, ya que actuaron diferentes días, Jimi siendo el último en actuar y para entonces Janis ya se había marchado pero quizá Jimi sí que estuvo en Woodstock los dos días anteriores a su actuación, disfrutando de la música de Janis y su Kozmic Blues Band y quizá teniendo algún encuentro amoroso entre otros tantos.

Jim Morrison y Janis Joplin también se conocieron, cuándo en una fiesta en Hidden Hills los reunió el productor de Jim y conocido de Janis, Paul Rotchild. Jim quedó fascinado por la remarcable chica, y Janis también quedó fascinada al ver a aquel notable chaval. A Janis le gustaba el sexo, era uno de sus pasatiempos favoritos, entonces vió aquel cacho de carne y dijo: "Quiero eso". Jim se emborrachaba cada noche y ésa no iba a ser una excepción, y cuándo se emborrachaba se volvia rudo y violento. Janis también era bebedora habitual, pero a diferencia de Morrison, era una borracha simpática, y no le hacía gracia el comportamiento de Jim. Cuánto más lo rehusaba Janis, él más la quería, y así estaba la cosa. Finalmente, Janis le dijo a Paul Rotchild: "Vámonos de aquí". Y se fueron al parking, Janis se metió en el coche y Paul Rotchild volvió a la fiesta. Jim los siguió y se acercó al coche de Janis, aprovechando que ya no estaba Paul Rotchild, pero Paul los estaba observando desde lejos, y es el que contó esta historia. Jim empezó a decirle algo a Janis y quería sexo pero Janis no estaba ya interesada en él y le dijo que se jodiera. Jim no quería aceptar un no por respuesta entonces cogió a Janis del pelo y metió la cabeza dentro del Porsche de Janis intentando forzarla, cuándo Janis, cogió una botella de Southern Comfort que tenía a mano, salió del coche y se la estampó en la cabeza a Jim, que se quedó inconsciente en el suelo. Al día siguiente, Jim llamó a Paul y le dijo: "¡Oh, que gran mujer! ¡Es terrorífica! ¿Puedo tener su número de teléfono?" Jim estaba enamorada, la pelea física era lo suyo, amaba la violencia. Paul contestó: "Jim, Janis no cree que sea buena idea que volváis a estar juntos los dos otra vez." Él se quedó roto. En otra ocasión Jim y Janis coincidieron en un bar nocturno, y Jim la agarró por los pelos y le dijo que le practicase sexo oral, ella se negó y él le estampó la cara contra la barra y Janis corrió al baño a llorar. Más tarde mientras ella estaba bebiendo en el baño con su botella de Southern Comfort escuchó que estaban expulsando al borracho de Jim de la fiesta, entonces ella salió corriendo y le dió otro botellazo de Southern Comfort en la cabeza dejándolo tirado en el suelo en frente de la puerta del local.

Cierta noche estaba Jimi Hendrix en un local nocturno improvisando con los Chambers Brothers, y Morrison subió al escenario para unirse a cantar, pero en realidad sólo estaba molestando, estaba borracho y decía groserías e insultaba a todo el mundo. Jimi estaba deseando echarlo de allí. La cosa se fué de las manos y Morrison se acercó a Jimi y le gritó: "Quiero chuparte la polla." Lo gritó lo suficientemente fuerte como para que los espectadores del club, entre ellos Janis Joplin, lo oyeran. Janis no soportaba a Morrison, es más, lo detestaba y ya se habían enfrentado antes, y sin embargo mantenía una buena relación con Jimi, con quién cómo dije arriba, ya había tenido encuentros amorosos anteriormente y al ver el follón que se estaba armando, subió al escenario con su botella de Southern Comfort y una vez más se la estampó en la cabeza a Morrison. Expulsaron a los tres del local, Janis y Jimi se enfurecieron, pero se quedaron a gusto por haber golpeado a Jim y supuestamente haber ganado la pelea, pero Morrison, borracho como una cuba se quedó tirado por el suelo dándo carcajadas, por lo tanto no le afectó demasiado ya que estaba acostumbrado a que lo echaran de locales y bares debido a su mal comportamiento.

White Rabbit-Jefferson Airplane

2008-08-30T02:41:00.000-07:00

White Rabbit es una cancion que compuso Grace Slick, la que fué durante un tiempo vocalista principal del grupo Jefferson Airplane. Se refería a el libro "Alice in Wonderland" cuando la compuso, pero también se refirió a la experiencia psicodélica con el LSD y otras drogas de la época que actuaban directamente en la mente alterando la conciencia. Bueno, "Alice in Wonderland" la verdad es que parece también escrita por alguien en pleno viaje psicodélico.

One pill makes you larger,
And one pill makes you small,
And the ones that mother gives you,
Don't do anything at all,
Go ask Alice,
When she's ten feet tall.

And if you go chasing rabbits,
And you know you're going to fall,
Tell 'em a hookah smoking caterpillar,
Has given you the call,
Recall Alice,
When she was just small.

When men on the chessboard,
Get up and tell you where to go,
And you've just had some kind of mushroom,
And your mind is moving slow,
Go ask Alice
I think she'll know.

When logic and proportion,
Have fallen sloppy dead,
And the White Knight is talking backwards,
And the Red Queen's "off with her head!"

Remember what the dormouse said;
"Feed yur head, feed your head!"

Foto: "Alice in Wonderland"

Janis-Country Joe And The Fish

2008-08-23T06:38:00.000-07:00

Into my life on waves of electrical sound
And flashing light she came,
Into my life with the twist of a dial
The wave of her hand — the warmth of her smile.
And even though I know that you and I
Could never find the kind of love we wanted together,
Alone I find myself missing you and I, you and I.

It's not very often that something special happens
And you happen to be that something special for me.
And walking on grass where we rolled and laughed in the moonlight
I find myself thinking of you and I, you and I, you.

Into my eye comes visions of patterns
Designs the image of her I see.
Into my mind the smell of her hair,
The sound of her voice — we once were there.

And even though I know that you and I
Could never find the kind of love we wanted together,
Alone, I find myself missing you and I, you and I, you.

Esta canción se la compuso Country Joe McDonald, el líder de Country Joe And The Fish a Janis Joplin, en el 1967, cuando salían juntos, en el período en que Janis era la vocalista principal de la banda Big Brother And The Holding Company. Estuvieron seis meses juntos, pero por motivos profesionales lo tuvieron que dejar, cada uno siguió su carrera. Joe era capricornio, al igual que Janis, tenia un año más que ella y estaba también metido en la movida hippie y la música psicodélica. Country Joe, décadas más tarde describió esos seis meses junto a Janis cómo una época feliz en la que salían a pasear por el Golden Gate Park, a cenar juntos o simplemente pasaban horas tumbados en la cama escuchando la radio y haciendo música, esperando a que pusieran alguna canción de Country Joe And The Fish o de Big Brother And The Holding Company para subir el volumen. Joe recuerda que Janis fusionó el nombre de su grupo con el de Joe: Country Brother And The Fish Company. Fueron tiempos felices para ambos.

Foto: Country Joe McDonald allá por el 1967 y Janis Joplin en el 1968, los dos con sus guitarras, no me digan que no hacen buena pareja.

Sunshine Of Your Love-Cream

2008-08-23T02:14:00.000-07:00

It's getting near dawn,
When lights close their tired eyes.
I'll soon be with you my love,
To give you my dawn surprise.
I'll be with you darling soon,
I'll be with you when the stars start falling.

I've been waiting so long
To be where Im going
In the sunshine of your love.

I'm with you my love,
The lights shining through on you.
Yes, I'm with you my love,
It's the morning and just we two.
I'll stay with you darling now,
I'll stay with you till my seas are dried up.

I've been waiting so long
To be where Im going
In the sunshine of your love.

I'm with you my love,
The lights shining through on you.
Yes, I'm with you my love,
It's the morning and just we two.
I'll stay with you darling now,
I'll stay with you till my seas are dried up.

I've been waiting so long
I've been waiting so long
I've been waiting so long
To be where I'm going
In the sunshine of your love.

Foto The Cream

Jimi Hendrix en Monterey

2008-08-22T04:00:00.000-07:00

Are You Experienced? obtuvo una excelente respuesta de ventas en el viejo continente, interrumpiendo su propio ascenso al segundo lugar en la clasifica británica por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles. De todos modos, la Experience estaba en busca de la ocasión perfecta para desembarcar en USA, donde aún era desconocida.
La ocasión se presentó en junio de 1967, cuando el grupo fue invitado - por medio de Paul McCartney - a la histórica edición del Monterrey International Pop Festival llevada a cabo el 16,17 y 18 de junio de aquel año y generalmente considerado el evento de arranque del llamado "largo verano de amor". La oportunidad se reveló extremadamente favorable para Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendria en todo el país norteamericano, su performance seria inmortalizada en el documental que devendría tiempo más tarde del festival. La Experience no se dejó escapar la ocasión y se desenvolvió en una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de su entera época "live". En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a mimar actos sexuales, sonarla con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador. Al término de la exhibición, para remarcar su furiosa nesecidad de extraer nuevos sonidos al instrumento, le dió fuego con gas liquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis de feedbacks lancinantes. Los restos de la guitarra que Hendrix destruyó en aquella noche fueron recuperados y actualmente están expuestos en el Experience Music Project di Seattle. La salvaje performance sonora del trío tuvo un enorme eco en todos los Estados Unidos, preparando así el terreno al suceso que vendria acojido tanto en las exhibiciones "live" del guitarrista cuanto en sus estrenos discográficos.

Hey Joe-Jimi Hendrix: en Monterey toca con los dientes.
http://es.youtube.com/watch?v=EJRWdseH1Pc

Wild thing-Jimi Hendrix: en Monterey quema su guitarra.
http://es.youtube.com/watch?v=hfPgj4bviKY

Foto: Jimi Hendrix y su Stratocaster en Monterey.

Give Peace A Chance

2008-08-22T03:34:00.000-07:00

Ev'rybody's talkin' 'bout
Bagism, Shagism, Dragism, Madism, Ragism, Tagism
This-ism, that-ism, ism ism ism
All we are saying is give peace a chance
All we are saying is give peace a chance

(C'mon)Ev'rybody's talkin' 'bout
Minister, Sinister, Banisters and Canisters,
Bishops, Fishops, Rabbis, and Pop Eyes, Bye bye, Bye byes
All we are saying is give peace a chance
All we are saying is give peace a chance

(Let me tell you now)Ev'rybody's talkin' 'bout
Revolution, Evolution, Masturbation, Flagellation, Regulation,
Integrations, mediations, United Nations, congratulations
All we are saying is give peace a chance
All we are saying is give peace a chance

Ev'rybody's talkin' 'bout
John and Yoko, Timmy Leary, Rosemary,
Tommy Smothers, Bobby Dylan, Tommy Cooper,
Derek Taylor, Norman Mailer, Alan Ginsberg, Hare Krishna
Hare Hare Krishna
All we are saying is give peace a chance
All we are saying is give peace a chance...

Foto: John and Yoko Bed-In!

Buddy Guy en el Festival Express

2008-08-20T03:45:00.000-07:00

¿Recuerdan la entrada del Festival Express? Dije que no encontré en youtube videos de Buddy Guy, pero alguien los colgó y aquí les dejo el link. También les dejo el link de un video de una actuación con BB King, Eric Clapton y Jim Vaughn.

Hootchie Coochie Man-Buddy Guy Blues Band:

http://es.youtube.com/watch?v=yyi4_JQ74T4&NR=1

Money-Buddy Guy Blues Band:
http://es.youtube.com/watch?v=3DPyjjXT6bw&NR=1

Rock Me Baby-BB King/Eric Clapton/Buddy Guy/Jim Vaughn:
http://es.youtube.com/watch?v=F4OXrmxDp44

Big Brother & The Dead

2008-08-20T03:26:00.001-07:00

¿Qué decir de estas dos grandes bandas del movimiento hippie en la década de los sesenta? ¿Sabían que Janis Joplin de Big Brother y Ron "Pigpen" McKernan se conocieron antes de alcanzar la cumbre? Janis se fue de Texas a San Francisco a buscar nuevas experiencias huyendo de su Port Arthur natal y allí conoció a Pigpen que era nativo e iniciaron un amorío que los llevo a actuar juntos por los locales nocturnos de la playa norte, acogiendo cómo su género predilecto el blues. Se separaron artística y personalmente y Janis volvió a Port Arthur mientras que Pigpen conoció a Jerry Garcia y formaron The Warlocks, que se convertirían en The Grateful Dead más adelante. En el 1966 Janis volvió a San Francisco pero esta vez a la zona de la bahía y Haight-Ashbury dóne se encontraba el movimiento hippie contra la guerra del Vietnam y las tan frecuentes en aquella época y ciudad drogas psicodélicas. Janis se reencontró con Pigpen que ya formaba parte de The Grateful Dead y ella se introdujo en Big Brother And The Holding Company. Luego se fue de la banda y se hizo famosa en solitario mientras Pigpen seguía con The Dead y no perdieron el contacto siendo simpre buenos amigos. Janis también forjó una bonita amistad con Jerry García, el supuesto líder de The Dead. Más tarde en el 1970 antes del fallecimiento de Janis volvieron a pasar juntos cinco días en el famoso tren de lujo que alquilaron los organizadores del Festival Express. Al morir Janis, dejó 25.000 dólares a sus amigos para que celebrasen una fiesta en su honor a la que acudieron cómo no sus buenos amigos de The Dead. Pigpen murió tres años más tarde, en el 1973 por una hemorragia gastrointestinal en su casa. Jerry Garcia murió días después de cumplir 53 años, de un ataque al corazón en el transcurso de una estancia en el centro de rehabilitación para toxicómanos, en el 1995.

Janis&Grace

2008-08-20T03:05:00.000-07:00

Janis Joplin y Grace Slick se conocieron en pleno movimiento hippie en San Francisco, formando parte de dos de las principales bandas del movimiento, Janis de Big Brother And The Holding Company y Grace de Jefferson Airplane. Eran muy distintas pero tenían muchas cosas en común, por ejemplo su fama, sus fans y sus relaciones con importantes músicos del momento. Grace tan misteriosa y psicodélica y Janis tan expresiva y espontánea. La voz de Grace era suave y relajada, en LSD. La de Janis desgarrada y potente, en Southern Comfort. Sus propios músicos de la Full Tilt Boogie Band dijeron que era psycheolica, mientras que Grace era psicodélica. Por suerte Grace pudo sobrevivir a los alocados sesenta mientras que Janis nos dejó justo al comenzar la nueva década, y llegando a alcanzar la fama mundial y Grace acabando su carrera musical en los noventa, dedicando la mayor parte de su vida a la música, igual que Janis hubiera hecho si hubiera sobrevivido.

Somebody To Love

2008-08-08T04:46:00.000-07:00

When the truth is found to be lies
And all the joy within you dies
Don't you want somebody to love, don't you...
Need somebody to love, wouldn't you...
Love somebody to love, you better...
Find somebody to love

When the garden flowers baby are dead, yes and
Your mind, your mind is so full of bread
Don't you want somebody to love, don't you...
Need somebody to love, wouldn't you...
Love somebody to love, you better...
Find somebody to love

Your eyes, I say your eyes may look like his
Yeah, but in your head, baby,
I'm afraid you don't know where it is
Don't you want somebody to love, don't you...
Need somebody to love, wouldn't you...
Love somebody to love, you better...
Find somebody to love

Tears are running down and down and down your breast
And your friends, baby they treat you like a guest
Don't you want somebody to love, don't you...
Need somebody to love, wouldn't you...
Love somebody to love, you better...
Find somebody to love...

Foto: Jefferson Airplane
Canción: Somebody To Love-Jefferson Airplane

La Bruja Kózmica

2008-08-04T03:38:00.000-07:00

La Bruja Kózmica, ella tenía el blues. ella tenía el blues cómo todos lo tenemos, pero era diferente...¿Cómo decirlo? Un blues kózmico. Se desgarraba la voz en la nota más alta y se perdían sus llantos en el susurro más dulce. Su vida estuvo llena de dolor aunque tuvo unos pocos momentos felices, que se desvanecían con cada nuevo amanecer. El día que nació el mundo escuchó el blues más sincero, una pequeña bruja que no sabía en que se convertiría, que no sabía cómo víviría, que no sabía cual sería su final. Era la niña buena a la que todos querían, encantadora, llena de amor con un afecto especial hacia los desconocidos, estudiosa en el colegio, y solía aparecer en casa quizá con un nuevo amigo que podía ser un gato perdido o un niño sin familia. Luego la pequeña niña encantadora creció y se hizo adolescente, pensaba por sí sola y no era como antes. La situación en casa era tensa, discutícada cada día con mamá, no aceptaba lo límites y hablaban mal de ella. Luego al crecer se hizo mujer y también famosa, podía cantar mejor que nadie, y toda esa gente que la miró mal, que la insultó, que la hizo sufrir, quedó impresionada con el talento de La Bruja, tenían envidia, cómo siempre la habían tenido, porque La Bruja era especial. La fama era demasiado quizá para ella, necesitaba amor y algunos se lo dieron, pero acabaron marchando cómo siempre y La Bruja, tan grande y famosa cómo era, se sentía lo más pequeño que existió jamás en el universo. Cada noche se oía un llanto melodioso desde California hasta Pekin, era La Bruja llorando con un blues. Llegaba el dia y la gente se preguntaba dónde estaba, la necesitaban, pero sólo por la fama. Un 4 de octubre La Bruja cantó su último blues, el más dulce y amargo de todos, el mundo jamás volvería a ver a la pequeña gran Bruja en acción, pero yo, cada noche oigo un llanto melodioso que va desde California hasta Pekin, hasta Mallorca, hasta mi casa, y miro hacia el cielo y sé que es La Bruja que llora desde su mundo con su blues kózmico.

Lucy in the Sky with Diamonds

2008-08-04T03:03:00.000-07:00

Picture yourself in a boat on a river

With tangerine trees and marmalade skies

Somebody calls you, you answer quite slowly

A girl with kaleidoscope eyes

Cellophane flowers of yellow and green

Towering over your head

Look for the girl with the sun in her eyes

And she's gone

Lucy in the sky with diamonds

Aaaaahhhhh...

Follow her down to a bridge by a fountain

Where rocking horse people eat marshmellow pies

Everyone smiles as you drift past the flowers

That grow so incredibly high

Newpaper taxis appear on the shore

Waiting to take you away

Climb in the back with your head in the clouds

And you're gone

Lucy in the sky with diamonds

Aaaaahhhhh...

Picture yourself on a train in a station

With plasticine porters with looking glass ties

Suddenly someone is there at the turnstyle

The girl with the kaleidoscope eyes

Lucy in the sky with diamonds

Aaaaahhhhh...

Lucy in the sky with diamonds

Aaaaahhhhh...

Lucy in the sky with diamonds

Lucy in the sky with diamonds
Lucy in the sky with diamonds...

http://es.youtube.com/watch?v=2py3kB6GQU4

Según los Beatles, un día de 1967, el hijo de Lennon, Julian, llegó de la escuela con un dibujo que dijo era de su compañera de clase, una niña de cuatro años llamada Lucy. Cuando le enseñó el dibujo a su padre, el pequeño Julian lo describió como «Lucy - in the sky with diamonds».
Julian recuerda: «No sé por qué lo llamé así ni porqué estaba separado de mis otros dibujos, pero obviamente a esa edad sentía afecto hacia Lucy. Solía enseñarle a papá todo lo que hacía en la escuela y de este surgió la idea de hacer una canción sobre Lucy in the sky with diamonds.

Mientras Lennon y los Beatles han sido siempre sinceros sobre su consumo de drogas, durante décadas han negado que "Lucy in the Sky with Diamonds" tuviera algo que ver con la LSD. En una entrevista de 2004, Paul McCartney habló abiertamente sobre su etapa de consumo de drogas, revelando que canciones como "Day Tripper" y "Got To Get You Into My Life" fueron escritas sobre la LSD y la marihuana. Al preguntarle por "Lucy in the Sky with Diamonds", comentó que el dibujo de Julian había inspirado la canción, pero que era "bastante obvio" que la canción era sobre una alucinación. En una entrevista de 1971 Lennon recordó haber oído decir cómo las iniciales del título formaban claramente LSD, y comprobando si pasaba lo mismo con otras composiciones de los beatles, encontraron que las canciones «no deletreaban nada». En 1980 confirmó que las imágenes fueron sacadas de "Alicia en el país de las maravillas". En "The Beatles Anthology" (2000), Ringo Starr afirmó que él estaba presente cuando Julian le enseñó a John ese "loco dibujo". Paul hace referencia a los ratos que John y él solían pasar en la sala de música de John intercambiando sugerencias para las letras diciendo «No nos dimos cuenta de las iniciales LSD hasta que fue cuestionado después, y en aquel momento nadie nos creyó». Aunque los Beatles dijeron que no nombraron la canción por las siglas LSD, la canción fue ideada y grabada en una época en la que experimentaban frecuentemente con LSD y creaban mucha música bajo su influencia. "Lucy" es también el nombre callejero para la LSD, aunque el término fue inspirado por el título de la canción y no al revés.

Los Deadheads

2008-08-02T07:10:00.000-07:00

Muchos de sus fans, comúnmente conocidos como Deadheads (Cabezasmuertas), seguían las giras de la banda. A diferencia de muchos otros grupos, Grateful Dead animaban a sus fans a grabar sus conciertos. Durante muchos años, casi todas sus actuaciones tenían secciones dedicadas a la grabación. La banda permitía que las grabaciones de sus conciertos se compartieran, siempre y cuando no se obtuvieran beneficios vendiéndolas. En los años 80, el grupo llegó al top 40 con la canción "Touch of Grey" (del álbum In the Dark), captando nuevos fans mucho más jóvenes y típicos a los que se consideraba muy distintos a los Deadheads tradicionales. Los fans más asentados denominaron a estos nuevos seguidores "Touchheads", en referencia a su relativa inexperiencia con el grupo. A finales de los 80 y durante los 90 Grateful Dead atrajeron a tantos nuevos seguidores que muchos de los antiguos Deadheads empezaron a dudar si la gente iba a los conciertos para ver al grupo, o simplemente para formar parte de la atmosfera. Cualesquiera que fueran sus diferencias, los Deadheads son considerados a menudo como los fans más devotos en el mundo del rock.
La zona de aparcamiento de un concierto de Grateful Dead era una parte importante del concierto en sí. Se podían encontrar objetos en venta en muchos de los coches aparcados, desde sandwiches de queso fundido hasta brebajes "especiales" y globos nitrosos. (Algunos deadheads se financiaban las giras vendiendo estos objetos.) Los asistentes al concierto se congregaban normalmente en el aparcamiento horas antes de la actuación, tocando la guitarra y tomando drogas. Después de un concierto, un deadhead podría hacerse fácilmente con un sandwich de queso fundido cocinado en la puerta de una furgoneta VW con una estufa de camping por un hippie amistoso.

Don't ease, don't ease
Don't ease me in
I've been all night long coming home
Don't ease me in

I was standing at the corner
Talking to Miss Brown
Well I turned around, sweet moma
She was way cross town

So I'm walking down the street
With a dollar in my hand
I've been looking for a woman, sweet moma
Ain't got no man

Don't ease, don't ease
Don't ease me in
I've been all night long coming home
Don't ease me in

The girl I love
She's sweet and true
You know the dress she wears, sweet moma
It's pink and blue

She brings me coffee
You know she brings me tea
She brings 'bout every damn thing
But the jailhouse key

Don't ease, don't ease
Don't ease me in
I've been all night long coming home
Don't ease me in

Don't ease, don't ease
Don't ease me in
I've been all night long coming home
Don't ease me in

Don't ease, don't ease
Don't ease me in
I've been all night long coming home
Don't ease me in

Fotos sacadas del Festival Express entre Julio y Agosto del 1970 en Canada, seguramente en Toronto o Winnipeg, quizá en Calgay, no sé. En todo caso, son de Jerry Garcia, Bob Weir y otros componentes de The Grateful Dead.

Haight Ashbury

2008-08-01T08:50:00.000-07:00

Allá vivían mis hermanos los hippies. También llegó el movimiento Beat. Todo era psicodelia y color, alegría y movimiento, aunque al final llegó a ser un completo descontrol. Al principio emergían bandas como Grateful Dead, Jefferson Airplane, Quicksilver & The Messenger Service, The Mamas And The Papas, Big Brother & The Holding Company...Las drogas psicodélicas abundaban, y eran tiempos de paz por allá creando nuevas formas de música y experimentando también con la pintura y la poesía. Era un vive y deja vivir, una nueva forma de ver el mundo, una lucha contrala sociedad, la contracultura. Las ropas eran coloridas, extrañas, con numerosos accesorios como collares, pulseras, anillos, tobilleras...Se llevaban ponchos y túnicas muy cortas, o largas, pantalones estrechos y un anchos por abajo, de rayas o cuadros, con grandes cinturones, y cintas de flores y colores en el pelo. Algunos no iban ni vestidos, cada uno elegía lo que quería hacer y cómo quería hacerlo, lo que quería ser, y cómo quería vivir su vida, y todo el mundo respetaba. Poco a poco y sin darse cuenta, la situación de absoluta tolerancia y libertad se fue convirtiendo en anarquia y libertinaje. Las drogas empezaban a mandar y cada vez abundaban más, tanto que todos los habitantes de Haight Asbury llegaron a ser consumidres de droga, imagínense un pueblo con todos vagndo por las calles drogados a todas horas sin siquiera saber de dónde provenía la droga que consumían, por que ya la metían en la comida y en la bebida los fabricantes. Pero antes de que el caos llegara, era un lugar maravilloso para pasarlo bien y experimentar nuevas formas de manifestarse haciendo arte. Lo que no lo supieron controlar. Mientras que todo esto ocurría se fueron muriendo las grandes estrellas del movimiento hippie, Jimi Hendrix, Janis Joplin...Y con ellos se fue icho movimiento. Aunque Janis Joplin fue la Reina de los Hippies no era hippie exactamente y no consumía drogas psicodélicas, su droga era el alcohol, y no sospechaba que una mezcla tan explosiva como es el alcohol y la heroina mal cortada la matarían justo esa noche del 4 de octubre de 1970, antes de poder acabar el que sería su último álbum que jamás vería acabado. Haight Ashury no volvió a ser lo que era nunca, pero pensemos que fue bonito mientras duró.

Birdsong

2008-08-01T08:36:00.001-07:00

All I know is something like a bird within her sang,
All I know she sang a little while and then flew on,
Tell me all that you know, I'll show you snow and rain.

If you hear that same sweet song again, will you know why?
Anyone who sings a tune so sweet is passin' by,
Laugh in the sunshine, sing, cry in the dark, fly through the night.

Don't cry now, don't you cry, don't you cry anymore.
Sleep in the stars, don't you cry, dry your eyes on the wind.

All I know is something like a bird within her sang,
All I know she sang a little while and then flew off,
Tell me all that you know, I'll show you snow and rain.

Esta canció la compuso Jerry Garcia para Janis,
cuando Janis ya no estaba en nuestro mundo.
A mi se me saltan las lágrimas cuando la escucho,
porque me acuerdo de Janis,
y dice cosas tan bonitas la canición. Es maravillosa.

http://es.youtube.com/watch?v=nfbJKy0PISQ
(video tributo con la canción de estudio)
http://es.youtube.com/watch?v=rWpC_e2BcrU
(video tributo con la canciónen vivo)
http://es.youtube.com/watch?v=OYA16z2-xFg
(Grateful Dead cantandola en directo)

Bueno, me retiro al blues.
PAZ Y AMOR!

Turtle Blues...

2008-07-25T07:15:00.000-07:00

Me apetecía poner estas fotos de Janis en Brazil, porque me voy a Londres, y esta es la última entrada que voy a subir por lo menoshasta el día 2, y quería que Janis fuese la primera imagen que apareciese a en mi blog en mi ausencia. Dejaré la letra de una canción que compuso Janis cuando estaba en la universidad de Austin y que más tarde cantó en el álbum "Cheap Thrills" con Peter Albin en la guitarra y John Simone(el productor del álbum) en el piano:

Turtle Blues

Ah, I'm a mean, mean woman,

I don't mean no one man, no good, no.

I'm a mean, mean woman,

I don't mean no one man, no good.

I just treats 'em like I wants to,

I never treats 'em, honey like I should.

Oh, Lord, I once had a daddy,

He said he'd give me everything in sight.

Once had a daddy,

Said he'd give me everything in sight.

Yes, he did.

So I said, "Honey, I want the sunshine,

You take the stars out of the night.

Come on and give 'em to me, babe, 'cause I want 'em right now."

I ain't the kind of woman

Who'd make your life a bed of ease, ha ha ha ha!

No, no, no, no, no, no, no, no, no.

I'm not the kind of woman, no,

To make your life a bed of ease.

Yeah, but if you, if you just wanna go out drinkin', honey,

Won't you invite me along, please.

Oh, I'll be so good to ya babe, yeah!

Whoa, go on!

I guess I'm just like a turtle

That's hidin' underneath its horny shell.

Whoa, whoa, oh yeah, like a turtle

Hidin' underneath its hard-ass shell.

But you know I'm very well protected —

I know this goddamn life too well.

Oh! Now call me mean, you can call me evil, yeah, yeah,

I've been called much worser things around,

Honey, don't ya know I have!

Whoa, call me mean or call me evil

I've been called much worser things, all things around,

Yeah, but I'm gonna take good care of Janis, yeah,

Honey, ain't no one gonna dog me down.

Alright, yeah.

ENTREN:

http://es.youtube.com/user/pauletaloca

http://www.fotolog.com/psychedelicpaula

http://www.fotolog.com/janisjoplin27

http://janis-joplin.forumcommunity.net/

http://www.metroflog.com/psychedelicpaula

Janis said:

When I sing, I feel like when you're first in love. It's more than sex. It's that point two people can get to they call love, when you really touch someone for the first time, but it's gigantic, multiplied by the whole audience. I feel chills.

by: psychedelicpaula...

Jerry Garcia

2008-07-25T06:49:00.000-07:00

Jerome John "Jerry" Garcia (1 de agosto 1942 - 9 de agosto 1995) fue un músico estadounidense, líder de Grateful Dead, grupo de rock influido por la psicodelia, fundado en San Francisco en 1965 y que durante décadas ha representado para muchos de sus fans un ejemplo auténtico de banda alternativa, en activo al margen de los intereses que priman en la industria musical. Grateful Dead fue un grupo alineado con un estilo de vida que huía del sometimiento a convencionalismos sociales o doctrinas éticas y políticas susceptibles de limitar la libertad del individuo.
Nacido en la misma ciudad de San Francisco, Jerry era nieto de Manuel "Papuella” Garcia, un español emigrado a los Estados Unidos que trabajó en ese país como electricista, e hijo de Jose o Joe Garcia, musico de jazz que decidió bautizarlo con el nombre de pila de Jerome Kern, compositor de Broadway.
Jerry Garcia se convirtió en su país en una figura emblemática de la contracultura liberal de los años sesenta.
Jerry Garcia murió días después de cumpir 53 años, de un ataque al corazón en el transcurso de una estancia en el centro de rehabilitación para toxicómanos, "Serenity Knolls", en el condado de Marin, California.

Festival Express 1970

2008-07-23T06:50:00.000-07:00

Ocurrió en Canadá en el verano de 1970: el "Festival Express". Durante cinco días varias bandas e intérpretes vivieron, durmieron, ensayaron e hicieron muchas otras cosas innombrables a bordo de un tren especialmente acondicionado, que viajó de Toronto a Winnipeg, a Calgary, con cada parada culminando en un mega-concierto. Toda la experiencia fue filmada, pero el metraje permaneció oculto hasta ahora. El documental combina las imágenes rodadas en 1970 con entrevistas actuales, más de 30 años después de que el evento tuviera lugar. Esta foto de aquí arriba es de Calgary, del 4 de Julio de 1970, el último día del festival, Jerry Garcia y Janis Joplin entrégandoles de parte de todos los músicos del festival unos regalos a los organizadores:entre todos los músicos que participaron en el festival les regalaron un tren en miniatura como en el que había viajado durante cinco días, con todas sus firmas; Janis les regaló una caja de tequila, decía que para continuar la fiesta.

Participaron en el Festival Express:
Eric Andersen (No apareció en la película pero sí en el DVD extra)
The Band
Buddy Guy Blues Band
Delaney and Bonnie and Friends (No apareció en la película ni en el DVD extra peroDelaney Bramlett sí que tocó con Ian&Sylvia C.C. Rider)
The Flying Burrito Brothers
Grateful Dead
Ian and Sylvia with Great Speckled Bird
Janis Joplin
Mashmakhan
Mountain (No apareció en la película ni en el DVD extra)
Tom Rush (No apareció en la película, pero sí en el DVD extra)
Traffic (Sólo estuvo en Toronto y no viajó en el tren ni apareció en la película)
Ten Years After (Sólo estuvo en Toronto y no viajó en el tren ni apareció en la película)
Seatrain (No apareció en la película, pero sí en el DVD extra)
Sha Na Na (No viajó en el tren)

De todas estas bandas a mí las que más me gustaron fueron The Grateful Dead, Buddy Guy Blues Band y cómo no, Janis Joplin. Ayer pasé un muy buen rato viendo la película y el DVD extra. Les recomiendo que la vean con detenimiento, les gustará, y también el ambiente de fiesta que se respira al ver la película, iban todos en el tren con alcohol, y también algunas drogas psicodélicas, pero sobre todo había alcohol. Bueno les dejé los links arriba de la wikipedia con infomación de las bandas que actuaron en el Festival Express.

Aquí les dejó también el contenido de la película, las canciones:
"Don't Ease Me In", Grateful Dead
"Slippin' and Slidin'", The Band
"Better Take Jesus' Hand" ("Jordan"), solo on the train by Jerry Garcia
"Comin' Home Baby", Mashmakhan
"Money (That's What I Want)", Buddy Guy Blues Band
"Lazy Day", The Flying Burrito Brothers
"The Weight", The Band
"Cry Baby", Janis Joplin
"Ain't No More Cane", jam session on train including Rick Danko, Janis Joplin, Jerry Garcia and Bob Weir
"Rock & Roll Is Here to Stay", Sha Na Na
"New Speedway Boogie", Grateful Dead
"C.C. Rider", Ian and Sylvia and the Great Speckled Bird (with Jerry Garcia and Delaney Bramlett)
"I Shall Be Released", The Band
"Tell Mama", Janis Joplin

Y las canciones del DVD extra:
"13 Questions", Seatrain
"Child's Song", Tom Rush
"Thirsty Boots", Eric Andersen
"As Years Go By", Mashmakhan
"Tears of Rage", Ian and Sylvia and the Great Speckled Bird
"Hoochie Coochie Man", Buddy Guy Blues Band
"Hard to Handle", Grateful Dead
"Easy Wind", Grateful Dead
"Kozmic Blues", Janis Joplin
"Move Over", Janis Joplin

Además en el DVD extra hay una sección con entrevistas a los organizadores y los participantes del Festival Express, contando sus experiencias, lo malo es que no tiene subtítulos en español, pero la película sí los tiene. También en el DVD extra hay una sección con entrevistas a los principales organizdores, contando como hicieron el festival y cómo surgió la idea(también sin subtítulos)

Aquí les dejo algunos links del youtube con canciones del Festival Express:
-Janis Joplin - Cry Baby(en la película)
http://es.youtube.com/watch?v=zC8UgQPI7oE

-Grateful Dead - New Speedway Boogie(en la película)
http://es.youtube.com/watch?v=2tYxNQ0eu1s

-Janis Joplin - Kozmic Blues(en el DVD extra)
http://es.youtube.com/watch?v=xtAWl8W5074&feature=related

-Grateful Dead - Don't Ease Me In(en la película)
http://es.youtube.com/watch?v=G5HqxpdX5d8

-Janis Joplin - Tell Mama(en la película)
http://es.youtube.com/watch?v=asDB-ExKIkA

-The Flying Burrito Brothers - Lazy Day(en la película)
http://es.youtube.com/watch?v=n1WgfJQfQk0&feature=related

The Band - I Shall be Released(en la película)
http://es.youtube.com/watch?v=a0WMBYQL14U&feature=related

-Ian & Sylvia - Tears Of Rage(en el DVD extra)
http://es.youtube.com/watch?v=4ti9idACUq4

-Eric Anderson - Thirsty Boots 1970(en el DVD extra)
http://es.youtube.com/watch?v=g70zT3lXPZc

Bueno espero que les haya gustado, me tomé bastant tempo buscando los videos en youtube, pero creo que merece la pena comprar el DVD, es mejor tenerlo, por los subtítulos y porque también salen algunas canciones que no encontré en youtube y que merece la pena verlas y oirlas en directo, creo que fue una gran idea hacer ese festival y sobre todo filmarlo. Creánme, vale la pena comprar el DVD. Espero que disfruten leyendo esto y viendo los videos tanto cómo yo disfruté escribiéndolo y buscando los videos. PAZ Y AMOR!

La historia de Janis Lyn Joplin...

2008-07-16T04:54:00.001-07:00

Esos ojos tristes,
de pupilas dilatadas,
dime cariño,
¿qué hiciste?
te noto tan cansada.

Sé que estás sola,
que pocos son los que te aprecian,
que por las noches lloras,
y que en el instituto te desprecian...

Pero a pesar de todo,
tú saliste sin ayuda,
fuiste fuerte,
alguien te echó un codo,
o dime, nena, ¿fué suerte?

Se fue de casa con edad temprana,
a San Francisco a cantar el blues,
cada noche en un bar actuaba,
y creció su fama en los clubs.

La adolescente creció y fue mujer,
tuvo un hombre que la quiso,
y ella también amo y se dejó querer,
pero era demasiado bonito,
el hombre se marchó del piso.

La mujer volvió a Port Arthur, a casa,
estudió duro y trabajó,
pero siempre algo nuevo pasa,
llegó un viejo amigo y se la llevó.

Volvieron a dónde ella había estado antes,
él era manager de un grupo,
les gustó su voz y no tenían cantante,
se unió a ellos sin truco.

Su fama creció en el lugar,
la gente veía lo bien que cantaba,
el verano del siguiente año tenía que llegar,
y en Monterey Pop la banda actuaba.

La gente quedó impresionada,
una chica blanca de texas cantaba,
un famoso manager contrató a la banda,
ella seguía cantando y la gente la amaba.

Creció demasiado su fama,
del grupo se marchó, ZAS!
y formó su propia banda,
la Kozmic Blues Band.

No triunfaron mucho al principio,
luego llegó Woodstock,
Janis era la reina de los hippies, al inicio,
fue grande, cómo un shock!

Luego fué de gira a Europa,
allí la gente si que la amaba,
hacía frío y llevaba mucha ropa,
pero aunque no la tuviese, igual se hubiese sentido arropada.

Ella estaba un poco destrozada,
a la heroína se enganchó,
todo lo que tenía al final era nada,
dejó la banda y a Río de Janeiro se marchó.

En aquellas largas vacaciones,
conoció a un chico inteligente,
se enamoraron sin malas intenciones,
volvieron a casa juntos, y lo presentó a la gente.

Las cosas iban bien,
ella ya estaba más relajada,
de la heroína se fue,
y ya nada malo tomaba.

Formó con su manager una nueva banda,
buscó músicos de todo el país,
nuevas canciones para llorar y reír,
llegó la Ful Tilt Boogie Band!

Su chico se tuvo que marchar,
de viaje por el mundo,
mas ella no lo puedo amar,
y la banda siguió su curso.

Janis triunfaba sin parar,
y luego la invitaron a una reunión de instituto,
volvió a su hogar,y quedó bien con todo el mundo,
mas ellos quedaron mal.

Luego empezó a grabar el álbum siguiente,
para después de eso se iba a casar,
aunque eso lo sabía muy poca gente,
así que decidió continuar y callar.

Un 4 de octubre la muerte se la llevó,
estaba enganchada y algunos lo sabían,
y es que muy poca gente la amó,
y lejos de ella estaban los que lo hacían.

Nadie como ella jamás volvió,
nadie como ella jamás existió,
nadie tan adentro cómo ella me llegó,
y cada vez que la miro recuerdo cómo murió.

Y, esos ojos tristes,
de pupilas dilatadas,
dime cariño, ¿qué hiciste?
te noto tan cansada como al principio.

Es la historia Janis Lyn Joplin, que tanto ha despertado en mí...

One good man...

2008-07-14T03:09:00.000-07:00

Honey, I love to go to parties
And I like to have a good time,
But if it gets too pale after a while
Honey and I start looking to find
One good man.
Hmm, don’t you know I’ve been searching,
Oh yes I have!
One good man,
Oh ain’t much, honey ain’t much,
It’s only everything, whoa.

An’ I don’t want much outa life,
I never wanted a mansion in the South.
I just-a want to find someone sincere
Who’d treat me like he talks,
One good man.
Oh honey don’t you know that I’ve been looking.
Oh, one good man,
Ain’t much, honey it ain’t much,
Oh, it’s only everything.
All right.

Some girls they want to collect their men,
They wear ’em like notches on a gun,
Oh honey, but I know better than that,
I know that a woman only needs one.
One good man, oh,
Oh baby don’t you know I’ve been looking, hmm,
One good man,
It ain’t much, no, no honey it ain’t much,
Oh, it’s only every little thing,
Just-a everything, everything
Ah yeah.

Ella sólo buscaba One Good Man...:S
lo encontró una vez, David Niehaus...lo dejó marchar...circunstancias de la vida...:S
bueno en fin no sé que poner más...
aquí les dejo la foto con el que fue su novio, lo conoció en Rio, Brazil, en el carnaval. Lo pasó lindo:

Imagine

2008-07-05T04:37:00.000-07:00

Imagine there's no heaven

It's easy if you try

No hell below us

Above us only sky

Imagine all the people

Living for today...

Imagine there's no countries

It isn't hard to do

Nothing to kill or die for

And no religion too

Imagine all the people

Living life in peace...

You may say

I'm a dreamer

But I'm not the only one

I hope someday you'll join us

And the world will be as one...

Imagine no possessions

I wonder if you can

No need for greed or hunger

A brotherhood of man

Imagine all the people

Sharing all the world...

You may say

I'm a dreamer

But I'm not the only one

I hope someday you'll join us

And the world will live as one....

¿Sería posible o tenemos que seguir imaginándolo? Hubo una época en la que una pequeña comunidad lo consiguió, pero, los líderes murieron, y no supieron continuar sin ellos. Y ahora yo lo veo prácticamente imposible. Aunque, ¿quién sabe? Quizá vuelva el hippismo y la época de la paz y el amor. Quizá unos cuántos podamos liderar, quizá podamos avanzar todos juntos y luchar por lo que no pudieron conseguir nuestros antepasados. Quizá algunos considerados locos por la sociedad de hoy en día podamos cambiar el mundo, a un mundo mejor, a un mundo tan bueno que los demás se quieran liberar y unirse a nosotros. Y sólo nos queda probar. Quizá sea posible, pero mientras tanto es bonito imaginar...

La "música" de ahora...

2008-07-05T03:34:00.000-07:00

Ayer, me entró una especie de ataque nervioso. Anoche estaba en el salón, hablando con mi padre, y coge y enciende la tele. Y pone un canal de "música". Sí, música entre comillas, porque vamos aquello parecía una película porno. Estaba puesto un videoclip de una cantante que no nombraré porque no quiero hacer publicidad, pero sólo os digo que está de moda y que iba cómo una guarra. Rectifico, es una guarra. No es normal, no es normal. La pregunta es, ¿eso era música? Pero si era una voz que no cantaba, que hablaba susurrando y hacía poses eróticas. Yo estaba tan tranquila y empiezo a ver ahí a una niñata. Bueno, niñata, debe tener ya sus años, los suficientes cómo para saber a guarrada que estaba haciendo. Aunque esta gente así nunca madura, y no podemos hacer nada por evitarlo. Yo creo que esa chica no tiene mala voz, pero miren cómo desperdicia su talento. Todas las cantantes de hoy en día, se salvan muy pocas, lo hacen. No nos dejan distingir cuáles tienen voz y cuáles no, porque hacen la misma música repetitiva y en la que la voz casi no tiene importancia, lo importante es enseñar muslo y pechuga...T_T. Es realmente penoso. ¿Alguna vez se volverá a poner de moda la música de verdad?¿Creen que alguna vez en el directo tomará importancia la música y no el cuerpo? Lo veo difícil. Además ahora hacen "Playback" cuándo salen por la televisión. No cantan, casi no bailan, no vaya a ser que sientan la música de verdad y hagan alguna locura "no cool" y se pongan a criticarlas en las revistas de adolescentes. No lo soporto. Actuan, pero además actuan mal, y se pierden la vida, porque las personas que no sienten la música y que jamás la sentirán, no tienen vida. La música hay que sentirla, y para comprender qué es el amor, qué es la amistad y otros valores impotantes, debes saber sentir la música y saber interpretarla. La música de ahora ya no es música...La música ya no es lo que era.

Janis Lyn Joplin

2008-07-04T15:01:00.000-07:00

El día 19 de enero de 1943, nació una estrella. Se levantaba y veía el sol, se asomaba por la ventana y observaba a los pajarillos silbar, y en el rostro de la pequeña se dibujaba una sonrisa. Era feliz por aquellos entonces, en aquel pequeño pueblo de Texas: Port Arthur. Tenía el cariño de su familia y le gustaba salir a jugar con su perrito y con sus hermanos y amigos. La pequeña era feliz por aquellos entonces. Pasaron los años y la niña empezó a pensar por sí sola. Ya no era tan niña, era adolescente, y sus ideas eran diferentes que las de los demás, y la chica se dio cuenta. Se tiñó el pelo de naranja y empezó a ir con otras gentes, y también con sus amigos los negros. La gente la miraba mal y la criticaba. Ella comenzó a vestir extraña para los demás, cosa que sólo ayudó a reforzar las constantes críticas, y la chica creció en ese ambiente, de constantes burlas, insultos y humillaciones públicas, aunque ella no hacía caso e iba con otras gentes. Su mamá ya no la quería cómo antes, porque a su mamá le importaba mucho lo que pensaran los demás. La muchacha se refugiaba en la pintura, y se empezó a introducir en la música negra. Empezó con Leadbelly y Ottis Redding, y llegó hasta Billie Holiday y Aretha Franklin, pero su predilecta era Bessie Smith, el blues le atraía. Un día cuándo tenía ya diecisiete probó el alcohol. La chica ya era mayor y empezó a fumar, pero nada serio, además alguien descubrió un talento en ella: podía cantar, cantaba blues, y tenía la mejor voz blanca que el mundo jamás había escuchado. A los dieciocho entró en la universidad de Austin, Texas, y comenzó a estudiar Bellas Artes. Era una muchacha muy inteligente, y solía sacar notas excelentes. Mientras estudiaba en el campus, sus compañeros la eligieron "el hombre más feo de la universidad", seguramente por su modo de vestir y su carácter introvertido y solitario, además se especulaba sobre su lesbianismo también por estas razones, pero la chica realmente no era introvertida ni solitaria, era alegre y extrovertida, aunque las circunstancias de la vida habían hecho que mostrase esa cara a los que la mantenían alejada, es decir, a casi todos. La chica ya no podía más y explotó. Cogió la botella y empezó a beber y beber y se dirigió con su compañero de la universidad, Chet Helms a San Francisco, haciendo autoestop. Lo primero que hizo al llegar a la bahía de San Francisco fué meterse en un club de mala muerte, pedir una copa y subir a cantar. El público la obsequió con 16$. La chica decidió quedarse allí con sus nuevos amigos, que tenían una visión del mundo que se asemejaba más a la suya. En aquellos tiempos la chica se hizo una joven mujer. La joven mujer cantaba todas las noches en bares de San Francisco, y allí empezó su contacto con las anfetaminas y el speed, además del alcohol. Su estado ya era preocupante. En 1962 realizó su primera grabación: What Good Can Drinkin' Do?, y más tarde en 1964, grabó con el guitarrista Jorma Kaukonen, The Typewriter Tape, una grabación sin disquetera de unos cuantos blues con voz, guitarra y una máquina de escribir acompañando la melodía de vez en cuando. Luego conoció a un hombre y se enamoró locamente, y además la joven mujer era correspondida, y dejó las drogas y el alcohol, le bastaba con el amor. Anunció a su familia que volvería a Texas y se casaría, y que seguiría con sus estudios de Bellas Artes. El enlace no tuvo lugar, J.P. abandonó a la joven, y ella volvió a experimentar el sentimiento de soledad que tantas otras veces había experimentado antes, y siguió con el alcohol y las drogas. La joven mujer ya tenía 23 años, cuándo su viejo amigo Chet Helms fue a buscarla un día a la universidad de Austin. Ella se sorprendió y fueron a tomar unas copas. Chet Helms le propuso que volvise a San Francisco para unirse a una banda local, de la cual él era el manager, que mezclaba blues con rock psicodélico. La mujer aceptó de buen grado y marcharon los dos a San Francisco. Allí, en el verano de 1966, conoció a esa banda, Big Brother & The Holding Company. Ellos quedaron impresionados con la voz de la joven mujer y con su inteligencia y manera de pensar, y en seguida la introducieron en la banda. La mujer estaba feliz allí, y mandó una carta a su familia diciendo que no iba a volver, que se encontraba a gusto en San Francisco. Grabaron su primer LP: Big Brother And The Holding Company. Empezó a crecer la fama de la banda gracias a la combinación perfecta de la voz de la joven mujer y la música psicodélica que se llevaba en aquellos años, en aquella ciudad, en Haight Ashbury, cumbre del movimiento hippie. Y llegó 1967, el verano del amor, y en pleno movimiento hippie se celebró el Monterey Pop Festival, y la banda fue llamada para tocar en aquel festival. Big Brother y la vocalista arrasaron...pero, sobre todo fue gracias a ella, a la joven mujer. Albert Grossman, el manager de Bob Dylan, vio a la joven mujer sobre el escenario y quiso ser el manager de aquella banda de acid rock y blues. La fama de la joven mujer subió cómo la espuma, todo el mundo hablaba de una chica blanca de Texas que podía cantar blues. En 1968, se público el segundo álbum de la mujer con Big Brother: Cheap Thrills. A partir de ahí las críticas se empezaron a centrar más en la mujer protagonista de esta historia real, y eclipsaba a la banda. Su manager le propuso un cambio de banda. En 1969 formó la Kozmic Blues Band y sacaron un LP: I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again, Mama!. En agosto de ese año, se preparó el mayor festival de rock y folk que ha existido nunca: Woodstock, tres días de paz y amor. Allí no podía faltar nuestra mujer, hippie como era, y con esa voz y esa fama a la que había llegado, era ya todo un símbolo de la mujer de la contracultura femenina de aquella época. Allí había mucho sexo, muchas drogas y mucho alcohol, pero sobre todo mucha música. La mujer actuó en ese gran escenario y el público la arropó, y la mujer lo pasó genial y lo sintió cómo nunca, y se sintió también querida. Woodstock acabó, y empezaron una gira por Europa, y allí la mujer triunfó también. Luego empezaron los problemas con la banda, entonces se marchó y formó otra banda buscando junto su manager músicos de toda américa. Formaron la Full Tilt Boogie Band. La mujer, volvió a la reunión de su instituto, y todo el mundo quedó fatal al verla, hacía muchos años que la mujer no iba por su pueblo. Todos los compañeros que se burlaron de ella quedaron mal comprobando que aquella chica fea y solitaria era mundialmente famosa y que había llegado más lejos que todos ellos juntos. Cuando fue a visitar a sus padres antes de volver a San Francisco, la madre de la mujer le confesó a ésta que hubiera deseado no haberla tenido nunca. La mujer volvió a San Francisco desolada. Luego la invitaron al Festival Express, un festival sobre un tren de lujo al que acudieron algunas estrellas de rock y folk del momento, siguiendo una ruta por toda Canadá parando en algunos sitios. Fueron algunas de las últimas actuaciones de la mujer en directo. En septiembre y octubre se grabó el LP que sacó con la Full Tilt Boogie Band: Pearl, que era el apodo que le pusieron los más allegados de la mujer. Un 4 de octubre de 1970, moriría por sobredosis de heroína. La mujer no vería jamás su último álbum publicado, se publicó el 1 de enero de 1971. La mujer ya no volvió, ni nadie cómo ella. Y mientras que todos pensaban que era feliz con la fama, la mujer estaba sola, y no se quisieron dar cuenta. Lo único que necesitaba la mujer era amor, y las drogas sólo fueron un pretexto, no lo que realmente mató a la bella y solitaria mujer. Y sólo hace falta escuchar canciones de la mujer en directo, para darse cuenta de ello, canciones tristes. Eso es todo, la vida triste de la mujer triste, de la única voz que existirá en mi corazón, que por lo menos ocupa el lugar más grande, es la historia de Janis Lyn Joplin, la más grande.

Cuándo lo demás no importa...

2008-07-03T13:51:00.000-07:00

Honey when everybody in the world wants the same damn thing,

when everybody in the world will need the same lonely thing,

when I wanna work for your love, daddy.

When I wanna try for your love, daddy.

I don't understand how come you're gone, man.

I don't understand why half the world is still crying, man, when the other half of the world is still crying too, man, I can't get it together.

I mean, if you got a cat for one day, man I mean, if you, say, say, if you want a cat for 365 days, right?

You ain't got him for 365 days, you got him for one day, man.

Well, I tell you that one day, man, better be your life, man.

Because, you know, you can say, oh man, you can cry about the other 364, man, but you're gonna lose that one day, man, and that's all you've got.

You gotta call that love, man.

That's what it is, man.

If you got it today you don't want it tomorrow, man, 'cause you don't need it, 'cause as a matter of fact, as we discovered in the train, tomorrow never happens, man.

It's all the same fucking day, man.

So you gotta, when you wanna hold a sigh, you gotta hold him like it's the last minute in your life, baby.

You gotta hold, whoa, whoa, hold him'cause someday some weight's gonna come on your shoulders, babe, it's gonna feel too heavy, it's gonna weigh on you, it's gonna feel just like a ball, ball, ball, oh daddy, and a chain.

Esto dijo Janis del amor. Lo improvisó mientras cantaba Ball&Chain(álbum Joplin in Concert), con la Full Tilt Boogie Band. Podéis escuchar la canción aquí, es la primera que hay a la derecha, en los márgenes, Ball&Chain.

Y es que cuándo eres capaz de darlo todo por una persona, cuándo te da igual todo lo demás, cuándo vives por esa persona, que es lo único que importa, cuándo te da igual no estar con esa persona si esa persona no quiere estar contigo, cuándo darías toda tu alma por que esa persona fuese feliz, aunque tu estuvieses triste, eso es amor. Porque a ti te da igual, porque de ver a esa persona feliz, tu ya eres feliz, así que eso es lo único que calma tu tristeza, ver a esa persona feliz.

Janis aún vive...

2008-07-03T04:45:00.000-07:00

Abro el Blog con Janis, La Dama Blanca del Blues, La Diosa, La Bruja Cósmica, La Reina de los Hippies...puede ser llamada de muchas formas, pero ella es la misma siempre, Janis Lyn Joplin. ¿No os encanta su sensibilidad, su forma de acariciar las palabras? Desde que la descubrí mi forma de ver la vida ha cambiado por completo. Eso que antes hacían, era música. La delicadeza de saber aullar en el momento adecuado y saber susurrar también las palabras más tiernas cuando tocaba, eso era música. La guitarra eléctrica combinada con el piano y el saxo, eso era música. Sentir el directo y la percusión justo al lado, eso era música, y no el reggetón ese que hacen ahora. Nunca volverá a existir nadie con la voz y el tacto de Janis, nadie cómo ella. Porque fue única. Murió demasiado joven y me hubiera gustado que hubiese aguantado más, para habernos dejado más música de verdad con la que disfrutar. En fin, Janis sigue viva, por lo menos en mi corazón. Y sigue viva en cada una de sus canciones, porque cuando la oyes cantar, la sientes. Por lo menos yo la siento más cerca de lo que me he sentido nunca de una persona, y a mi me llega. Janis. Cada vez que la escucho, me transporta con ella. Yo daría lo que fuera por verla cantar en directo y estar con ella, aunque sólo fuera por un día. Me encantaría conocerla y escuchar su voz en directo. Escuchar su voz justo al lado debe ser maravilloso, debió ser increíble. También me encantaría conocer a alguién que hubiese conocido a Janis y/o sentido su voz en directo, alguien que la hubiese visto actuar, para que me contase cómo se sintió, para que me contase cómo sue la experiencia. Así que si conocen de alguien, avísenme, por favor. En fin, no sé que más decir de la Diosa, ya le dedicaré otra entrada dónde explique un poco su vida tanto personal cómo profesional. Sólo digo: Janis, gracias.

Aquí les dejo el link de un video de Janis en Monterey, la pasarela que la llevó directamente al estrellato, cantando Ball&Chain con una sensibilidad exquisita. Opinen sobre Janis y sobre el video.

http://es.youtube.com/watch?v=iuph6Gw1hI4

Por cierto, ¿cuál creen que es la mejor versión de Ball&Chain? Yo opino que es la versión en concierot con la Full Tilt Boogie Band, en el álbum Joplin in Concert.